{"id":457019,"date":"2014-06-03T21:57:37","date_gmt":"2014-06-04T01:57:37","guid":{"rendered":"http:\/\/diarioelpopular.com\/?p=457019"},"modified":"2014-06-03T21:57:37","modified_gmt":"2014-06-04T01:57:37","slug":"hablemos-de-cine-109","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/2014\/06\/03\/hablemos-de-cine-109\/","title":{"rendered":"HABLEMOS DE CINE"},"content":{"rendered":"
\"Haluk<\/a>

Haluk Bilginer y Melisa Sozen en WINTER SLEEP, film que obtuvo la Palma de Oro<\/p><\/div>\n

Por Jorge Gutman<\/strong><\/p>\n

\u00a0<\/strong>Ya ha concluido una nueva edici\u00f3n del Festival de Cannes. En l\u00edneas generales dentro de la competencia oficial no hubo como en a\u00f1os anteriores un t\u00edtulo que haya conmocionado o hecho historia como lo fue La<\/em> Vida de Ad\u00e8le<\/em> en 2013 y Amour en 2012<\/em> pero en todo caso cabe se\u00f1alar que dentro de los 18 filmes elegidos para competir por la Palma de Oro hubo algunos de gran calidad, otros buenos y tambi\u00e9n algunas decepciones que con todo no alcanzaron a empa\u00f1ar la programaci\u00f3n global.<\/p>\n

LOS PALMARES DE LA SELECCI\u00d3N OFICIAL<\/strong><\/p>\n

He aqu\u00ed los premios m\u00e1s importantes en la selecci\u00f3n oficial comenzando primeramente por la competencia oficial. El jurado presidido por la realizadora Jane Campion decidi\u00f3 adjudicar la Palma de Oro<\/strong> a la pel\u00edcula turca Winter Sleep<\/strong> (Sue\u00f1o de Invierno) del director Bilge Ceylan y que personalmente tambi\u00e9n estimo que ha sido el mejor film de la muestra. A pesar de su duraci\u00f3n de 3 horas y 16 minutos y de su estructura teatral, el relato escrito por el realizador junto con Ebru Ceylan en ning\u00fan momento decae permitiendo a la audiencia apreciar un excelente drama. Inspirado en Anton Chejov y con reminiscencias del cine de Ingmar Bergman (Escenas de la Vida Conyugal<\/em>),el film ubica la acci\u00f3n en una peque\u00f1a aldea de las estepas de Cappadocia, siguiendo los pasos los pasos de Aydin (Haluk Bilginer), un actor retirado y due\u00f1o de un hotel all\u00ed enclavado que hered\u00f3 de su padre as\u00ed como de tierras que arrienda; su intenci\u00f3n es recluirse para escribir una historia del teatro turco y mientras procede a hacerlo, este intelectual y egoc\u00e9ntrico individuo discurrer a trav\u00e9s de largas e intensas escenas con su fiel asistente (Ayberk Pekcan), su hermana divorciada Necla (Demet Akbag), su joven y distanciada esposa Nihal (Melisa Sozen) as\u00ed como uno de sus pobres arrendatarios (Serhat Kilic) que lo resiente profundamente. El resultado constituye un profundo y absorbente ensayo sobre la condici\u00f3n humana as\u00ed como una meticulosa observaci\u00f3n de las diferentes clases sociales de Turqu\u00eda que en muchos aspectos alcanza dimensi\u00f3n universal.<\/p>\n

El Grand Prix del Jurado<\/strong>, segundo en orden de importancia, fue adjudicado al film italiano Le meraviglie<\/strong> de Alice Rohwacher. La historia que transcurre en los a\u00f1os 80 gira en torno de una humilde familia de granjeros de la regi\u00f3n de Umbr\u00eda dedicados a la producci\u00f3n de miel, en donde el severo padre (Sam Louwyck) recluye a sus cuatro hijas del mundo exterior para protegerlas del \u201cfin del mundo\u201d; todo cambiar\u00e1 cuando la hija mayor preadolescente (Maria Alexandra Lungu) aspirando a un porvenir m\u00e1s alentador decide participar en un programa televisivo presentado por una magn\u00e9tica y misteriosa hada madrina (Monica Bellucci) que habr\u00e1 de cambiar su vida. Sencilla, pero humana ilustrando el proceso de madurez de su protagonista dentro del marco de una existencia rural, la pel\u00edcula se apoya en una trama un poco endeble sin llegar a tener la trascendencia que justifique la importancia del premio recibido.<\/p>\n

\"Antoine<\/a>

Antoine Olivier Pilon en MOMMY<\/p><\/div>\n

El Premio del Jurado<\/strong> que le sigue en orden jer\u00e1rquico ha sido atribuido ex aquo a Mommy<\/strong> de Xavier Dolan y a Adieu au langage<\/strong> de Jean-Luc Godard. El film de Dolan es el m\u00e1s logrado de su corta y prol\u00edfera carrera donde al igual que en su primer t\u00edtulo J\u2019ai tu\u00e9 ma m\u00e8re<\/em> (2009) enfoca la relaci\u00f3n entre un hijo y su madre aunque en este caso vuelque m\u00e1s su simpat\u00eda y comprensi\u00f3n a la figura materna. El relato que est\u00e1 filmado en formato 1:1 que le da un encuadre vertical en lugar del acostumbrado horizontal, se centra en Steve (Antoine Olivier Pilon), un adolescente de 15 a\u00f1os que padece de un trastorno de comportamiento que lo vuelve hiperactivo, impulsivo y con d\u00e9ficit de atenci\u00f3n; eso motiva que no pueda seguir internado en el establecimiento escolar al que concurr\u00eda y que Diane (Anne Dorval), su madre monoparental con problemas econ\u00f3micos, tenga que hacerse cargo del mismo. A trav\u00e9s del gran esfuerzo de amor y comprensi\u00f3n hacia un hijo con el cual es pr\u00e1cticamente imposible de convivir, Dolan demuestra de qu\u00e9 forma puede siempre alentarse alg\u00fan gesto de esperanza en esa relaci\u00f3n simbi\u00f3tica de amor y odio entablado entre ambos; a ellos se les une Kyla (Suzanne Clement), una vecina que es profesora y un poco tartamuda que brindar\u00e1 solidaridad y afecto al muchacho a la vez que constituye un elemento de influencia positiva en la relaci\u00f3n establecida entre Diane y Steve. Aunque el film llega en algunas instancias a desmesurarse emocionalmente, donde sus personas gritan en lugar de hablar y la ecl\u00e9ctica atractiva m\u00fasica (Celine Dion, Dido, Oasis, etc.) resulta a veces un poco estridente, el p\u00fablico se encuentra con un film de gran ternura y compasi\u00f3n, magn\u00edficamente dirigido, excelentemente interpretado y en donde el apreciable estilo visual, caracter\u00edstico en los trabajos de este joven realizador, se equilibra muy bien con su contenido.<\/p>\n

En cuanto a Adieu au langage<\/strong>, su t\u00edtulo traduce claramente lo que es el film, una despedida al lenguaje cinematogr\u00e1fico, a la banalidad de las palabras como as\u00ed tambi\u00e9n a los personajes que animan un relato. Rodado en 3D donde el empleo de este recurso es de \u00edndole completamente artesanal sin que refuerce los valores del film, el mismo est\u00e1 estructurado a modo de un collage con videoclips donde ninguno de los mismos est\u00e1 relacionado entre s\u00ed; m\u00e1s a\u00fan, la exposici\u00f3n fragmentaria con secuencias interrumpidas y una banda sonora impregnada de ruidos molestos configuran una visi\u00f3n que para cierto p\u00fablico le podr\u00e1 resultar fascinante mientras que otro sector de la audiencia lo encontrar\u00e1 frustrante. La narrativa pr\u00e1cticamente inexistente est\u00e1 confinada a una mujer casada y un hombre soltero haciendo el amor para luego agredirse o bien divagar en conversaciones aparentemente filos\u00f3ficas que no tienen mayor sentido; a todo ello se observar\u00e1 la presencia de un perro paseando desde un contexto urbano a otro rural. No falta la voz en off haciendo referencias a frases sueltas y fuera de contexto como \u201cla coincidencia<\/em> de que en 1933 se produce el advenimiento de la televisi\u00f3n y la llegada de Hitler al poder<\/em>\u201d o bien que \u201csi los rusos llegan a ser europeos, dejar\u00e1n de ser rusos<\/em>\u201d, para citar algunos ejemplos. Curiosamente las voces y los sonidos no se corresponden y la estridente m\u00fasica no alcanza a mejorar la situaci\u00f3n. El realizador no deja de mostrar su gran conocimiento cultural con referencias asociadas a notables personalidades, pero al mismo tiempo se da el lujo de brindar algunas escenas escatol\u00f3gicas sin que exista un hilo conductor de lo expuesto. Queda como resultado un film inusual que bien habr\u00eda merecido la explicaci\u00f3n del veterano realizador, que estuvo ausente en Cannes, para aclarar cu\u00e1l es el objetivo final que se propuso con este ensayo experimental y pretencioso.<\/p>\n

Bennett Miller<\/strong> obtuvo el trofeo a la Mejor Direcci\u00f3n<\/strong> por su film americano Foxcatcher<\/strong> basado en el libro autobiogr\u00e1fico de Mark Schultz. B\u00e1sicamente la historia gira en torno de John du Pont (Steve Carell), un filantr\u00f3pico multimillonario entrenador deseoso de formar un equipo de deportistas de lucha libre para prepararlos en los Juegos Ol\u00edmpicos de 1988 en Se\u00fal y lograr una impresionante victoria para los Estados Unidos. Para ello recluta a Mark Schultz (Channing Tatum), un jugador de lucha libre quien hab\u00eda ganado una medalla de oro en las Olimp\u00edadas de Los \u00c1ngeles de 1984 y que siempre tuvo como inspiraci\u00f3n a su hermano mayor Dave (Mark Ruffalo) que tambi\u00e9n logr\u00f3 un premio similar en dicho certamen mundial. Tentado por la importante remuneraci\u00f3n que du Pont le ofrece, Mark se desplaza a su lujosa mansi\u00f3n donde tendr\u00e1 lugar el entrenamiento. La relaci\u00f3n especial establecida entre ambos va a alterarse posteriormente cuando John decide convocar a Dave para integrar el equipo; a partir de ese momento el relato adquiere gradualmente caracter\u00edsticas m\u00e1s oscuras hasta desembocar en un tr\u00e1gico desenlace. El film est\u00e1 muy bien narrado, tiene gran fluidez y en el buen an\u00e1lisis caracterol\u00f3gico de los tres principales protagonistas reside uno de sus importantes m\u00e9ritos. A nivel de interpretaci\u00f3n, Carrell se distingue por su excelente actuaci\u00f3n, sin desde\u00f1ar las meritorias prestaciones de Tatum y Ruffalo.<\/p>\n

El Mejor Gui\u00f3n<\/strong> fue atribuido a Andrei Zviagintsev<\/strong> y Oleg Negin<\/strong> por el film ruso Leviathan <\/strong>del veterano realizador Zviagintsev. El relato se desarrolla en un remoto pueblo ruso donde el alcalde Shelevyat (Roman Madyanov) y su entorno gobiernan el lugar con poder discrecional. El nudo conflictivo se produce cuando Shelevyat no logra persuadir a Kolya (Alexei Serebryakov), quien vive con su esposa (Elena Lyadova) y un hijo de un anterior matrimonio (Sergey Pokhadaev), para que le venda su casa y el terreno que le pertenece. Frente a la confrontaci\u00f3n que se produce, Kolya decide solicitar ayuda legal a Dmitri (Vladimir Vdovitchenkov), su amigo abogado de Mosc\u00fa. Lo que sobreviene despu\u00e9s constituye una historia un tanto familiar aunque bien articulada donde el director expone la corrupci\u00f3n pol\u00edtica de la sociedad rusa apelando a una violencia a veces latente y otras manifiesta contra los m\u00e1s d\u00e9biles e indefensos miembros de una comunidad cuando entran a jugar intereses econ\u00f3micos como los aqu\u00ed expuestos.<\/p>\n

El premio a la Mejor Actriz<\/strong> correspondi\u00f3 a Julianne Moore<\/strong> por su participaci\u00f3n en Maps to the Stars <\/strong>de David Cronenberg. La pel\u00edcula estructurada en forma coral presenta a Moore como una madura y neur\u00f3tica actriz que busca desesperadamente una oportunidad para asumir el rol protag\u00f3nico de la nueva versi\u00f3n de un film en donde a\u00f1os atr\u00e1s su madre (Sarah Gadon) hab\u00eda encabezado el reparto. Entre otros personajes figuran una joven t\u00edmida (M\u00eda Wasikowska) con un triste pasado de pir\u00f3mana que llega a Hollywood procedente de Florida tratando de ubicar a su hermano (Evan Bird) quien es un astro de 13 a\u00f1os, de naturaleza inaguantable y despreciable, que termin\u00f3 su cura de desintoxicaci\u00f3n; un conductor de limusinas (Robert Pattinson) aspirante a actor; un celebrado psicoterapeuta (John Cusack) y su mujer empresaria (Olivia Williams). Cronenberg ofrece un relato al que no le falta sexo, incesto, manipulaci\u00f3n, perversi\u00f3n, exacerbada violencia y en donde ning\u00fan personaje puede ser humanamente rescatable. Queda como resultado una descarnada e impiadosa comedia negra, implacablemente \u00e1cida, con ciertas situaciones incoherentes, pero que en todo caso no disimula en lanzar sus dardos contra los famosos que iluminan el firmamento de Hollywood.<\/p>\n

\"Timothy<\/a>

Timothy Spall en MR. TURNER<\/p><\/div>\n

Timothy Spall<\/strong> fue distinguido como Mejor Actor<\/strong> en la brillante caracterizaci\u00f3n lograda del c\u00e9lebre pintor J.M.W. Turner (1775-1851) en Mr. Turner<\/strong>, producci\u00f3n brit\u00e1nica del realizador Mike Leigh. Considerado como el \u201cpintor de la luz\u201d, Leigh aborda los \u00faltimos 25 a\u00f1os de este gran maestro que qued\u00f3 hondamente afectado por la p\u00e9rdida de su madre desequilibrada, al quedar convertido en un hombre antisocial, mis\u00f3gino e incapaz de tener en cuenta a sus propias hijas, con la sola excepci\u00f3n del estrecho v\u00ednculo mantenido con su padre (Paul Jesson). Enfocando los viajes realizados por Turner en busca de inspiraci\u00f3n para sus pinturas, el relato profundiza en lo m\u00e1s \u00edntimo y personal de un hombre exc\u00e9ntrico, cascarrabias y hura\u00f1o que pr\u00e1cticamente gru\u00f1e al hablar. El veterano realizador ofrece un hermoso y delicioso film en donde expone magn\u00edficamente la relaci\u00f3n establecida entre el hombre imperfecto y disociado de la realidad con el del artista capaz de haber creado obras pict\u00f3ricas de sublime belleza. Distinci\u00f3n especial merece la excepcional labor fotogr\u00e1fica de Dick Pope reproduciendo la magnificencia de los cuadros del gran maestro brit\u00e1nico.<\/p>\n

\"Zsofia<\/a>

Zsofia Psotta en WHITE GOD<\/p><\/div>\n

En lo que concierne al Mejor film<\/strong> de la secci\u00f3n Un Certain Regard<\/strong> el jurado liderado por Pablo Trapero premi\u00f3 a White God<\/strong>, producci\u00f3n h\u00fangara del realizador Kornel Mundurczo. Se trata de un relato decididamente original donde a trav\u00e9s de la b\u00fasqueda que realiza una adolescente de su perro extraviado queda reflejado el modo en que el odio racial se convierte en marcada intolerancia, ya sea que la misma sea ejercida con relaci\u00f3n a la especie humana o bien a la animal como es el caso de este film. Como r\u00e9plica del maltrato recibido por los humanos, los sufridos caninos de esta historia, sedientos de venganza, deciden lanzarse a las calles de Budapest para arremeter contra los hombres responsables de su miserable destino. Adem\u00e1s de la buena interpretaci\u00f3n protag\u00f3nica de Zsofia Psotta, cabe destacar la sorprendente actuaci\u00f3n de los dos perros que animan un solo personaje quienes fueron entrenados por Teresa Ann Miller, as\u00ed como del resto de la fauna canina entrenada por Arp\u00e1d Halasz.<\/p>\n

\"Ang\u00e9lique<\/a>

Ang\u00e9lique Litzenburger en PARTY GIRL<\/p><\/div>\n

La C\u00e1mara de Oro<\/strong> que se adjudica a la mejor \u00f3pera prima presentada tanto en la Selecci\u00f3n Oficial como en las secciones paralelas de la Semana de la Cr\u00edtica y la Quincena de los Realizadores correspondi\u00f3 a la pel\u00edcula francesa Party Girl<\/strong> de Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis. El tema central gira en torno de Ang\u00e9lique (Ang\u00e9lique Litzenburger) una mujer sexagenaria de marcada personalidad y madre de 4 hijos adultos, que trata de adaptarse a la nueva vida que se le ofrece sentimentalmente cuando Michel (Joseph Bour), un afable hombre que hab\u00eda sido cliente del establecimiento le propone matrimonio. Ligada m\u00e1s por un sincero cari\u00f1o que por un amor verdadero, el relato ofrece una mirada aut\u00e9nticamente tierna frente al dilema de de Ang\u00e9lique de tener que convivir con un individuo que a pesar de su gran nobleza no llega a amarlo. Con actores no profesionales que se desempe\u00f1an con completa naturalidad, este film feminista y con personajes decididamente agradables logra crear una gran empat\u00eda con el p\u00fablico, especialmente en una emotiva escena donde Ang\u00e9lique se re\u00fane con Cynthia su hija de 16 a\u00f1os que hab\u00eda estado viviendo con una familia sustituta.<\/p>\n

 <\/p>\n

OTROS COMENTARIOS DE FILMES EXHIBIDOS<\/strong><\/p>\n

Relatos Salvajes<\/strong><\/p>\n

Esta producci\u00f3n argentina, la \u00fanica competitiva que particip\u00f3 en el Festival aunque sin lograr premio alguno, es sin duda una de las mejores pel\u00edculas que se han visto en la muestra. No es muy usual que en un film \u00f3mnibus como en el presente, cada una de los relatos conserve una frescura inusual donde a pesar de la independencia que guardan entre s\u00ed, hay un nexo com\u00fan que las liga.<\/p>\n

Damian Sziffron como realizador y guionista vuelca una creatividad remarcable en sus diferentes historias dot\u00e1ndolas en casi todas con un tono de franco humor enfocando la represi\u00f3n interna de violencia que sale a relucir cuando frente a situaciones l\u00edmites el individuo se encuentra desamparado o impotente para superar las dificultades emergentes; adem\u00e1s, todas las miserias, contradicciones, el doble discurso, la displicencia y el cinismo que se anidan en el ser humano aparecen en un relato que aunque espec\u00edficamente se refiera al modus vivendi de los argentinos, tiene dimensi\u00f3n universal y es eso lo que contribuye a que cualquier espectador pueda f\u00e1cilmente identificarse con la suerte corrida por sus personajes.<\/p>\n

El primer segmento que es el m\u00e1s corto transcurre en la clase ejecutiva de un vuelo comercial, donde una modelo (Mar\u00eda Marull) entabla una conversaci\u00f3n con un cr\u00edtico musical (Dario Grandinetti) y al mencionarse el nombre de \u201cPasternak\u201d, un individuo conocido por ambos, inmediatamente todos los dem\u00e1s pasajeros se encuentran por coincidencia vinculados con este personaje ausente, produci\u00e9ndose situaciones desmedidas dentro de un marco de irresistible hilaridad. En el segundo cap\u00edtulo se puede contemplar c\u00f3mo una empleada de un restaurante (Julieta Zylberberg) ubicado en un parador de ruta descubre que su \u00fanico cliente (C\u00e9sar Bord\u00f3n) ha sido el inescrupuloso usurero que ha causado la muerte de su padre, lo que habr\u00e1 de generar una original y maliciosa venganza de parte de ella bajo el est\u00edmulo de la perversa cocinera (Rita Cortese) del establecimiento. La tercera parte est\u00e1 vinculada con la rivalidad que se produce en una autopista cuando un conductor (Leonardo Sbaraglia) aventaja al otro (Walter Donado); con un desenlace altamente inventivo, Szifron se revela como un excelente narrador. El cuarto episodio relata las desventuras que sufre un honesto ingeniero (Ricardo Dar\u00edn) cuyo coche es injustamente confiscado por mal estacionamiento y el via crucis que debe recorrer para poder rescatarlo; la indignaci\u00f3n que le produce frente a una burocracia insensible con la que debe lidiar, habr\u00e1 de generarle un profundo sentimiento de venganza que se traducir\u00e1 en un inusitado acto de violencia. El quinto relato, el \u00fanico que carece de humor y el m\u00e1s perturbador, constituye una cr\u00edtica social a la vez que un cuestionamiento moral al demostrar c\u00f3mo un padre (Oscar Mart\u00ednez) tratando de encubrir el accidente automovil\u00edstico provocado por su hijo adolescente (Alan Daicz), acepta la proposici\u00f3n de su abogado (Osmar N\u00fa\u00f1ez) para que el jardinero de la casa (Germ\u00e1n de Silva) se responsabilice del crimen a cambio de un importante monto de dinero en pago; el acto desnudar\u00e1 la corrupci\u00f3n de todos los involucrados incluyendo a la propia justicia. La entrega final que se ubica dentro del marco de una boda jud\u00eda alcanza ribetes de marcada comicidad cuando la novia (Erica Rivas) descubre durante la fiesta que su novel marido (Diego Gentile) le ha sido infiel con una hermosa joven que se encuentra entre las invitadas.<\/p>\n

Con un despliegue visual irreprochable, Szifron brinda al espectador una comedia negra inquietante, mordaz y perversa de gran calidad art\u00edstica a la vez que de amplia repercusi\u00f3n popular, tal como lo fue en su momento El Secreto de sus Ojos <\/em>(2009).<\/p>\n

\"Marion<\/a>

Marion Cotillard en DEUX JOURS, UNE NUIT<\/p><\/div>\n

 <\/p>\n

Deux jours, une nuit<\/strong>.<\/p>\n

Los Hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, veteranos de este Festival donde la mayor\u00eda de sus filmes fueron estrenados mundialmente, vuelven a ofrecer con esta pel\u00edcula belga un cine de profundo contenido humanista abordando el tema de la desocupaci\u00f3n que es uno de los grandes problemas sociales por los que atraviesan varios pa\u00edses de Europa. Marion Cotillard anima a Sandra, una joven madre que trabaja en una f\u00e1brica de paneles solares y de la cual estuvo ausente por un largo per\u00edodo de licencia por enfermedad. Al tratar de reintegrarse, se entera que durante su ausencia el patr\u00f3n propuso a los empleados suprimir su puesto a cambio de una bonificaci\u00f3n de 1000 euros para cada uno de sus 16 compa\u00f1eros de trabajo. En una primera votaci\u00f3n y por presi\u00f3n del capataz la decisi\u00f3n de los empleados es de aceptar la propuesta pero la intervenci\u00f3n de un delegado sindical que simpatiza con Sandra logra que se haga una segunda votaci\u00f3n abierta en tres d\u00edas m\u00e1s. A pesar de su estado de d\u00e9bil depresi\u00f3n y estimulada por su marido (Fabrizio Rongione) Sandra se anima a librar una batalla contra el tiempo para que en el lapso de un fin de semana logre convencer a sus compa\u00f1eros para que voten por su permanencia.<\/p>\n

La tarea de dirigirse personalmente de puerta en puerta al encuentro con cada uno de sus colegas y rogarles que le brinden su apoyo en el momento de la votaci\u00f3n es lo que constituye la esencia de este remarcable film.<\/p>\n

La maestr\u00eda de los hermanos Dardenne consiste en haber transformado la premisa de una sencilla historia en un film profundamente impactante sin caer en artificiosos sentimentalismos; por el contrario, sin moralismo ni manique\u00edsmo alguno los Dardenne prefieren exponer con sobriedad este dram\u00e1tico problema social para que el espectador llegue a concluir por s\u00ed mismo su valioso contenido en donde no hay santos ni pecadores, sino simplemente seres humanos que no pretenden el cielo sino el leg\u00edtimo derecho de un trabajo para poder mantenerse. El emotivo desenlace del film es lo suficientemente elocuente como para comprender que la dignidad humana no tiene precio y por lo tanto no puede convertirse en un objeto de venta. Adem\u00e1s del m\u00e9rito de los realizadores de haber ofrecido una obra inteligente y abordable, cabe destacar la interpretaci\u00f3n excepcional de Cotillard transmitiendo la vulnerabilidad, la angustia y el dolor de la protagonista, confirmando as\u00ed su autoridad de gran actriz.<\/p>\n

\"Juliette<\/a>

Juliette Binoche y Kristen Stewart en SILS MARIA<\/p><\/div>\n

Sils Maria<\/strong>.<\/p>\n

Oliver Assayas es otro director que ha visto el estreno de m\u00e1s de una decena de sus filmes en este Festival donde Sils Maria <\/strong>se agrega a esa lista enfocando con psicol\u00f3gica profundidad la vida de una actriz exitosa que aunque a\u00fan se encuentra en plena actividad art\u00edstica ya no es lo suficientemente joven como para aspirar a ciertos roles espec\u00edficos.<\/p>\n

El gui\u00f3n del realizador se centra en Maria Enders (Juliette Binoche), una actriz famosa que al comenzar el relato se impone de la muerte de Wilhelm Melchior, un dramaturgo con quien ella mantuvo una afinidad especial de trabajo y a quien considera su mentor. Junto con su asistente Valentine (Kristen Stewart) viaja a los funerales que tienen lugar en Sils-Maria ubicado en los Alpes suizos. Es all\u00ed donde surge la idea de reponer en Londres \u201cMaloja Snake\u201d una obra del desaparecido autor, donde veinte a\u00f1os atr\u00e1s Maria logr\u00f3 un gran \u00e9xito interpretando a Sigrid, una joven que mantiene una relaci\u00f3n lesbiana con Helen, una mujer madura que la dobla en edad, que terminar\u00e1 suicid\u00e1ndose. El problema est\u00e1 en que Maria desear\u00eda seguir interpretando el mismo rol de anta\u00f1o a\u00fan cuando por su edad debe aceptar el papel de Helena, en tanto que Sigrid ser\u00e1 interpretada por Jo-Ann (Chloe Grace Moretz), una chica de 20 a\u00f1os que est\u00e1 comenzando su carrera en Hollywood. La segunda parte del film transcurre en la mansi\u00f3n de Melchior donde Maria y Valentina releen la obra adoptando los personajes respectivos Helen y Sigrid. Es all\u00ed donde el relato adquiere intensidad dram\u00e1tica frente al juego de espejos que se va produciendo donde los personajes de ficci\u00f3n se van confundiendo con quienes les dan vida. Al confrontar el pasado con el presente el film transita en t\u00f3picos vinculados, entre otros, con el pasaje del tiempo, la juventud, la edad y la mortalidad.<\/p>\n

Decididamente de naturaleza intelectual pero sin caer en el elitismo, el film adem\u00e1s de ofrecer varias lecturas, muestra c\u00f3mo el arte imita a la vida a la vez que tambi\u00e9n suele producirse el efecto inverso.<\/p>\n

La direcci\u00f3n de Assayas es estupenda y pudo rodearse de un elenco brillante donde cada uno de sus integrantes ha sabido involucrarse de lleno en la piel de sus respectivos personajes. Con una maravillosa fotograf\u00eda de Yorick Le Saux, el p\u00fablico puede asimismo gozar la belleza de la regi\u00f3n alpina donde transcurre su acci\u00f3n.<\/p>\n

Timbuktu<\/strong>.<\/p>\n

El director mauritano Abderrahmane Sissako ofrece un dram\u00e1tico cuadro sobre las funestas consecuencias que adquiere el dogmatismo religioso inspir\u00e1ndose en la acci\u00f3n guerrillera que tuvo lugar en julio de 2012 en Aghuelhok; esa peque\u00f1a ciudad ubicada al norte de Mal\u00ed, durante un breve per\u00edodo sufri\u00f3 las consecuencias del fanatismo religioso de yihadistas quienes llegaron a ejecutar a una pareja con hijos por no haber estado casados propiamente.<\/p>\n

En la ficci\u00f3n, esta coproducci\u00f3n de Mali, Mauritania y Francia se desarrolla en Timbukt\u00fa, una ciudad que cae bajo el yugo de extremistas religiosos y en donde a trav\u00e9s de sucesivas vi\u00f1etas se va contemplando a los intocables jueces religiosos musulmanes aplicando sanciones por inocentes hechos cometidos por la poblaci\u00f3n local al transgredir el c\u00f3digo de conducta impuesto donde, por ejemplo, se prohibe cantar, tocar m\u00fasica, jugar al f\u00fatbol, fumar o bien re\u00edr bajo la amenaza de severas sanciones.<\/p>\n

Tratando de utilizar un bajo perfil emocional, el director ilustra la forma en que el odio y la violencia se conjugan de brutal manera donde las mujeres violadas y los hombres sumisos de la poblaci\u00f3n local son testigos de castigos impuestos por los integristas musulmanes como la aplicaci\u00f3n de azotes por infracciones menores o bien la lapidaci\u00f3n por actos de adulterio.<\/p>\n

Dentro de lo que constituye un horroroso atentado a los derechos humanos, este documento surrealista filmado con m\u00e1xima mesura e irreprochable lenguaje visual permite reflexionar el modo en que la religi\u00f3n puede ser manipuleada o utilizada como un instrumento capaz de llegar a destruir la vida de inocentes personas. Curiosamente, el film no pudo llegar en momento m\u00e1s apropiado teniendo en consideraci\u00f3n los tristes acontecimientos que recientemente tuvieron lugar en Nigeria por el demencial grupo Boko Haram con el secuestro de 300 adolescentes de ese pa\u00eds.<\/p>\n

 <\/p>\n

Jimmy\u2019s Hall<\/strong>.<\/p>\n

El veterano realizador brit\u00e1nico Ken Loach retorna a Cannes con un film menor dentro de su filmograf\u00eda aunque siempre trascendente teniendo en cuenta la acertada forma en que formula una denuncia social tomando como referencia un personaje que tuvo gravitaci\u00f3n en Irlanda. Trabajando con su habitual guionista \u00a0Paul Laverty, el film relata la ver\u00eddica historia de James Gralton (Barry Ward), un l\u00edder comunista irland\u00e9s que habiendo estado expatriado en los Estados Unidos, retorna de Nueva York a su tierra natal de Irlanda en 1932, una d\u00e9cada despu\u00e9s en que el pa\u00eds se independiz\u00f3 de Gran Breta\u00f1a. Acogido c\u00e1lidamente por sus amigos que lo aguardan para reabrir el sal\u00f3n de baile local que adem\u00e1s constituye un centro comunitario cultural donde se toca m\u00fasica de jazz, se escucha poes\u00eda, se efect\u00faan reuniones pol\u00edticas y tambi\u00e9n se practican deportes. Todo ello es mal mirado por el ultra conservador cura pueblerino (Jim Norton) que hace todo lo posible para convencer a sus feligreses sobre lo inquietante que resulta la existencia de ese c\u00edrculo de baile donde la danza resulta algo as\u00ed como pecaminoso y agravado por la circunstancia de que un comunista \u201canti-Cristo\u201d est\u00e9 al frente del mismo.<\/p>\n

Nuevamente y despu\u00e9s de haberse visto Timbuktu, <\/em>aqu\u00ed se pone en evidencia c\u00f3mo el manejo discrecional de la religi\u00f3n, en este caso el de la iglesia cat\u00f3lica, puede acarrear consecuencias lamentables. Bien ambientado y pleno de buenos sentimientos, el film aunque liviano logra entretener ampliamente a la vez que constituye otro de los relatos de denuncia social de Loach pregonando por el derecho a la disidencia como forma de expresar el libre pensamiento del ser humano y el de poder actuar de manera diferente.<\/p>\n

 <\/p>\n

Saint Laurent<\/strong>.<\/p>\n

A pocos meses de haberse juzgado Yves Saint Laurent<\/em> de Jalil Lespert ahora se conoce una nueva versi\u00f3n de Bertrand Bonello sobre el c\u00e9lebre dise\u00f1ador de modas. Esta producci\u00f3n francesa solamente considera un per\u00edodo especial de su existencia que transcurre desde 1967 a 1976 pero sin profundizar en la compleja personalidad del artista. En forma epid\u00e9rmica y epis\u00f3dica destaca aspectos de su vida privada tortuosa y emocionalmente vulnerable caracterizada por su adicci\u00f3n a las drogas, la bebida, las org\u00edas sexuales y su obsesi\u00f3n amorosa con Jacques de Bascher (Louis Garrel). Lo m\u00e1s interesante de esta producci\u00f3n son las secuencias vinculadas con su taller de trabajo, la muestra de sus colecciones y las escenas de dram\u00e1tica confrontaci\u00f3n con su pareja Pierre Berg\u00e9 (J\u00e9r\u00e9mie Renier). Con una duraci\u00f3n de 2 horas y media, el film se torna fatigante debido a una realizaci\u00f3n poco destacable, un gui\u00f3n endeble y la d\u00e9bil caracterizaci\u00f3n de Gaspard Ulliel como YSL; solamente hacia el final cuando el artista presenta su colecci\u00f3n de 1974, el film cobra cierto impulso pero de todos modos no alcanza a compensar la falta de emoci\u00f3n general que prevalece en el relato.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

BALANCE DE CANNES 2014<\/p>\n","protected":false},"author":5842,"featured_media":0,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[80,81,434],"tags":[],"class_list":["post-457019","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-cine-2","category-columnistas","category-hablemos-de-cine"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/457019","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/users\/5842"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=457019"}],"version-history":[{"count":1,"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/457019\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":457072,"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/457019\/revisions\/457072"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=457019"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=457019"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=457019"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}