{"id":462218,"date":"2015-05-29T00:01:23","date_gmt":"2015-05-29T04:01:23","guid":{"rendered":"http:\/\/diarioelpopular.com\/?p=462218"},"modified":"2015-05-28T17:29:07","modified_gmt":"2015-05-28T21:29:07","slug":"hablemos-de-cine-155","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/diarioelpopular.com\/index.php\/2015\/05\/29\/hablemos-de-cine-155\/","title":{"rendered":"HABLEMOS DE CINE"},"content":{"rendered":"
\"Antonythassan<\/a>

Antonythassan Jesuthasan en DEEPHAN<\/p><\/div>\n

Por Jorge Gutman<\/strong><\/p>\n

Con la ceremonia realizada el domingo pasado en donde el jurado oficial presidido por Joel y Ethan Coen hizo entrega de los premios correspondientes a diversos rubros, qued\u00f3 clausurada la sexag\u00e9sima octava edici\u00f3n del Festival de Cannes. En l\u00edneas generales la selecci\u00f3n incluida en el rubro competitivo fue meramente aceptable; hubo ciertos filmes destacables y otros no tanto; en cambio no hubo pel\u00edculas de trascendencia que pudieran ser consideradas obras maestras del cine.<\/p>\n

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Los Premios de la Selecci\u00f3n Oficial<\/strong><\/p>\n

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La distinci\u00f3n m\u00e1s importante materializada con la Palma de Oro<\/strong> fue conferida al film franc\u00e9s Deephan<\/strong> del realizador Jacques Audiard. Aunque no estaba en los pron\u00f3sticos de la mayor\u00eda de los cr\u00edticos, cabe se\u00f1alar que esta pel\u00edcula re\u00fane suficientes m\u00e9ritos para haber sido evaluada como la mejor por parte del jurado. Audiard, que ya hab\u00eda presentado en Cannes Un Profeta<\/em> (2009) por el que gan\u00f3 el Gran Premio as\u00ed como Metal y<\/em> Hueso<\/em> (2012), brinda un film de considerable potencia abordando el tema de la inmigraci\u00f3n y de las dificultades de adaptaci\u00f3n al nuevo medio. Su personaje central es Deephan (Antonythasan Jesuthasan), un guerrillero tamil de Sri Lanka, quien cansado de la miseria y violencia de la guerra civil que acosa a su pueblo decide emigrar a Francia en calidad de refugiado pol\u00edtico; para poder hacerlo alegando que tiene familia, cuenta con la colaboraci\u00f3n de Yalini (Kalieaswari Srinivasan) que se hace pasar por su esposa, y de una ni\u00f1a de 9 a\u00f1os (Claudine Vinasithamby) como su hija. Alojados en un departamento de un monobloque ubicado en las afueras de un sector marginal cercano a Par\u00eds, el tr\u00edo que llega a convivir como si se tratara de un verdadero grupo familiar, comienza a sufrir los embates violentos de bandas de narcotraficantes donde la tranquilidad a la que Deephan aspiraba deja de ser tal, oblig\u00e1ndolo a recurrir a las t\u00e1cticas violentas utilizadas en Sri Lanka. En resumen, el p\u00fablico asiste a un relato doloroso mostrando el lado oscuro de la inmigraci\u00f3n relatado con lacerante veracidad.<\/p>\n

\"Gesa<\/a>

Gesa R\u00f6hrig en SON OF SAUL<\/p><\/div>\n

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El Gran Premio del Jurado<\/strong> correspondi\u00f3 a Son of Saul<\/strong> de L\u00e1szlo Nemes y sin duda bien merecido. Es la primera pel\u00edcula del director h\u00fangaro quien evidencia una s\u00f3lida madurez en el manejo de la c\u00e1mara enfocando el tema del Holocausto. El relato ubicado en 1944 presenta a Saul Ausl\u00e4nder (Gesa R\u00f6hrig) quien es miembro del Sonderkommando, un grupo de prisioneros jud\u00edos que aislados del resto del campo de concentraci\u00f3n de Auschwitz-Birkenau y actuando para poder sobrevivir, tiene como misi\u00f3n colaborar con los nazis en el siniestro plan de exterminaci\u00f3n concebido. Estando trabajando en uno de los crematorios descubre el cad\u00e1ver de un muchacho al que reconoce como su hijo; ese es el elemento conflictivo del film cuando Saul decide salvar el cuerpo del muchacho para que en lugar que las llamas del fuego lo consuman reciba una adecuada sepultura jud\u00eda. Filmado con c\u00e1mara en mano, el ritmo es vertiginoso y febril as\u00ed como las implacables escenas de fusilamientos a granel, c\u00e1maras de gas y las incineraciones en los hornos, resultan dif\u00edciles de presenciar. Si alguna objeci\u00f3n merece este film es que en algunos momentos el relato se vuelve demasiado efectista para sacudir con m\u00e1s fuerza al que lo contempla; de todos modos, esta \u00f3pera prima merece ser vista.<\/p>\n

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El tercer premio correspondiente al de la Mejor Direcci\u00f3n<\/strong> recay\u00f3 en el realizador taiwan\u00e9s Hou Hsiao Hsien<\/strong> responsable de The Assasin<\/strong>, una coproducci\u00f3n de China, Hong Kong y Taiwan. Como no he tenido ocasi\u00f3n de ver este film me abstengo de comentarlo, pero las un\u00e1nimes elogiosas cr\u00edticas de quienes lo han visto, indican que se trata de un trabajo de gran calidad donde la minimalista historia que no siempre resulta dif\u00edcil de captar, est\u00e1 m\u00e1s que compensada por su excepcional belleza visual..<\/p>\n

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The Lobster<\/strong>, coproducci\u00f3n de Grecia, Irlanda, Gran Breta\u00f1a, Holanda y Francia, obtuvo el Premio del Jurado<\/strong>. El director griego Yorgos Lanthimos se sumerge en una historia absurdamente original que tiene un punto de partida altamente promisorio. En un mundo futurista no se admite la soledad individual y por lo tanto quienes no tengan pareja est\u00e1n obligados a recluirse en un hotel donde con procedimientos surrealistas las autoridades del establecimiento tratar\u00e1n de procurarles el alma gemela con quien convivir. David (Colin Farrell), un reciente divorciado, es uno de los que ingresan al establecimiento donde se le informa que en un plazo m\u00e1ximo de 45 d\u00edas deber\u00e1 encontrar la mujer con quien cohabitar\u00e1 porque de no lograrlo ser\u00e1 convertido en animal; en el eventual caso que eso llegara a suceder, David comunica que desear\u00eda transformarse en langosta porque le apasiona el mar. Tanto los di\u00e1logos como varias situaciones jocosas confieren a este film antisentimental un aire fresco y renovador; sin embargo, al promediar el metraje, la historia se vuelve repetitiva y es as\u00ed que el encanto inicial se desvanece.<\/p>\n

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El premio al Mejor Gui\u00f3n <\/strong>hasido adjudicadoa Michel<\/strong> Franco<\/strong> por el film mexicano Chronic<\/strong>. El joven realizador ubica la acci\u00f3n en Los \u00c1ngeles presentando a David, un hombre reservado y solitario, as\u00ed como extremadamente meticuloso y competente en el trabajo que realiza como enfermero de personas aquejadas de dolencias terminales. Lo interesante del relato es que a pesar de no guardar sentimentalidad alguna, se aprecia la forma en que su protagonista logra una gran comunicaci\u00f3n afectiva con sus enfermos creando de este modo un clima de manifiesta intimidad. La interpretaci\u00f3n de Tim Roth en el rol central es excelente, sobre todo porque es capaz de transmitir en forma sobria y mesurada los sentimientos internos que alientan a su personaje cuya pasi\u00f3n por lo que realiza le permite compensar algunos vac\u00edos de su vida privada, especialmente con referencia a un doloroso suceso que ha destruido a su familia. En esencia, el p\u00fablico est\u00e1 frente a un film austero y bien realizado, cuya \u00fanica objeci\u00f3n reside en su escena final que adem\u00e1s de ser totalmente innecesaria nada agrega al aspecto central de esta historia.<\/p>\n

\"Vincent<\/a>

Vincent Lindon en LA LOI DU MARCHE<\/p><\/div>\n

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Vincent Lindon fue distinguido como el Mejor Actor<\/strong> por su interpretaci\u00f3n en el film franc\u00e9s La Loi du March\u00e9<\/strong> de St\u00e9phane Briz\u00e9. Con gran humanidad Lindon anima a Thierry, un hombre de mediana edad que se encuentra desocupado. Con m\u00e1s de 50 a\u00f1os a cuesta resulta dificultoso hallar un nuevo empleo y es as\u00ed que el relato va ilustrando el dificultoso camino que este hombre debe recorrer a fin de encontrar un puesto que permita aliviar su delicada situaci\u00f3n econ\u00f3mica, sobre todo por los gastos de escolaridad de su hijo discapacitado a quien quiere mucho. As\u00ed parecer\u00eda que la realizaci\u00f3n de cursos de preparaci\u00f3n para nuevos empleos, los env\u00edos de innumerables curr\u00edculums, entrevistas con consejeros de trabajo realizadas, no tienen efecto alguno m\u00e1s all\u00e1 de la humillaci\u00f3n que Thierry debe afrontar. Finalmente, despu\u00e9s de 20 meses de desocupaci\u00f3n logra un puesto como agente de seguridad de un supermercado; si por un lado resulta tranquilizador volver al mercado laboral, no transcurrir\u00e1 mucho tiempo para que Thierry se sienta atrapado por conflictos morales cuando debe denunciar los robos de mercanc\u00edas de los clientes como as\u00ed tambi\u00e9n las contravenciones de sus propios compa\u00f1eros de trabajo donde en un caso especial alcanza una dram\u00e1tica dimensi\u00f3n. Filmado con estilo casi documental, este film sobre la dignidad humana logra repercutir hondamente, gracias a la consumada direcci\u00f3n de Briz\u00e9 y la magn\u00edfica prestaci\u00f3n de Lindon.<\/p>\n

\"Rooney<\/a>

Rooney Mara y Cate Blanchett en CAROL<\/p><\/div>\n

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El premio a la Mejor Interpretaci\u00f3n Femenina<\/strong> fue este a\u00f1o compartido por Emmanuelle Bercot<\/strong> y Rooney Mara<\/strong>. Bercot lo obtuvo por su participaci\u00f3n en el film franc\u00e9s Mon Roi<\/strong> de Ma\u00efwenn; ella encarna a Tony, una mujer que es admitida en un centro de recuperaci\u00f3n f\u00edsica como consecuencia de un grave accidente de ski. Es all\u00ed donde rememora los amores mantenidos con Georgio (Vincent Cassel), un seductor irresistible. Las peripecias vividas antes del matrimonio, as\u00ed como la vida conyugal y el nacimiento de un hijo que tanto ella anhelaba originan una pasi\u00f3n amorosa destructiva, plena de altibajos en una historia que con una duraci\u00f3n de m\u00e1s de dos horas termina fatigando. Ciertamente no hay nada que objetar a las carism\u00e1ticas interpretaciones de Cassel y Bercot pero el film no alcanza a deslumbrar como tampoco trascender. Muy diferente es el caso de Carol<\/strong>, magn\u00edfico melodrama americano de Todd Haynes por el cual Rooney Mara fue distinguida; en el que quiz\u00e1s sea la mejor pel\u00edcula que tuve oportunidad de juzgar dentro del marco de la competici\u00f3n oficial, el realizador enfoca la historia de dos mujeres unidas sentimentalmente. Basado en la novela The Price of Salt<\/em> de Patricia Highsmith, la acci\u00f3n tiene lugar en Nueva York en las postrimer\u00edas de 1952 y comienza cuando Carol (Cate Blanchett), una mujer burguesa en proceso de divorcio, avista a Th\u00e9r\u00e8se (Rooney Mara), una joven vendedora de un gran emporio comercial neoyorkino; la atracci\u00f3n es mutua desde el primer momento, desarroll\u00e1ndose en consecuencia una relaci\u00f3n de lesbianismo en una \u00e9poca donde las convenciones sociales censuraban severamente los amores de personas de igual orientaci\u00f3n sexual. El film seduce fuertemente por la excelente descripci\u00f3n de sus personajes, por la magn\u00edfica reconstituci\u00f3n de \u00e9poca donde ning\u00fan detalle ha sido dejado de lado, por su exquisita belleza visual as\u00ed como por la puesta en escena de Haynes en el logrado retrato de estas dos mujeres. Es as\u00ed que sorprenda la decisi\u00f3n del jurado al haber excluido a Cate Blanchett del premio ex-acquo concedido.<\/p>\n

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\"Haimer<\/a>

Haimer Leal en LA TIERRA Y LA SOMBRA<\/p><\/div>\n

En lo que concierne al Mejor Film<\/strong> de la secci\u00f3n oficial Un Certain Regard el jurado presidido por Isabella Rosellini decidi\u00f3 atribuirlo a Rams<\/strong>, coproducci\u00f3n de Islandia, Dinamarca, Noruega y Polonia. El director Gr\u00edmur H\u00e1konarson narra una emotiva historia sobre dos hermanos islandeses solteros, Gummi (Sigurdur Sigurjonsson) y Kiddi (Theodor Juliuson), viviendo en una zona rural de Islandia; lo curioso es que estuvieron distanciados sin hablarse durante 40 a\u00f1os. Cada uno de ellos ama profundamente a su ganado de modo tal que cuando se llega a detectar una enfermedad letal de los animales que implica su sacrificio, ese dram\u00e1tico incidente motivar\u00e1 a que los hermanos dejen de lado sus diferencias. Aunque la trama resulte peque\u00f1a, el film se valoriza por las buenas actuaciones, por una lograda fotograf\u00eda contribuyendo al clima melanc\u00f3lico que transmite el relato as\u00ed como por la ilustraci\u00f3n de la dura vida que se afronta en \u00e1reas aisladas de Islandia.<\/p>\n

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El director croata Dalibor Matanic efect\u00faa una mirada a las profundas grietas que produjo la guerra de los Balcanes en The High Sun<\/strong> que obtuvo el Premio del Jurado<\/strong> de Un Certain Regard. A trav\u00e9s de 3 historias de amor con personajes diferentes pero con los mismos actores, Tihana Lazovic y Goran Markovic, el relato transcurre en 1991 previo a la iniciaci\u00f3n del conflicto, en 2001 una vez que la guerra termin\u00f3 y en 2011. De este modo durante un per\u00edodo de 20 a\u00f1os cada historia sentimental ilustra de qu\u00e9 modo los resentimientos, intolerancias y prejuicios \u00e9tnicos, impiden que los romances cristalicen cuando cada una de las partes pertenece a aldeas vecinas donde en este caso una es croata y la otra serbia. De alguna manera este sensible film muestra c\u00f3mo las heridas de la guerra a\u00fan no han cicatrizado en la medida que su gente se encuentra todav\u00eda atrapada por los acontecimientos que han azotado a la regi\u00f3n.<\/p>\n

\"Una<\/a>

Una escena de EL ABRAZO DE LA SERPIENTE<\/p><\/div>\n

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El realizador Kiyoshi Kurosawa ha sido premiado por el film japon\u00e9s Journey to the Shore<\/strong>, una historia supernatural que transcurre a ritmo de caracol. En esencia, Mizuku (Eri Fukatzu) es una introvertida mujer que se dedica a dar lecciones de piano; un buen d\u00eda se encuentra con su marido (Tadanobu Asano) ausente del hogar por espacio de 3 a\u00f1os donde le explica que se hab\u00eda hundido en el mar; ahora, intacto como si nada hubiese acontecido, \u00e9l le propone efectuar un viaje a algunos lugares que visit\u00f3 durante su muerte. Esa intriga inicial languidece a medida que avanza el metraje y de este modo el film va perdiendo eficacia.<\/p>\n

Aunque el realizador se ha destacado por Tokyo Sonata <\/em>(2008) que fue estrenado en Canad\u00e1 con buen \u00e9xito por parte de la cr\u00edtica, este viaje a la playa no agrega mucho a su curr\u00edculum, aunque el jurado evidentemente no comparti\u00f3 mi opini\u00f3n.<\/p>\n

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\"Nanny<\/a>

Nanny Moretti y Margherita Buy en MIA MADRE<\/p><\/div>\n

La cr\u00edtica latinoamericana recibi\u00f3 con gran satisfacci\u00f3n la noticia de que el film colombiano La Tierra y la Sombra<\/strong> haya sido premiado con la C\u00e1mara de Oro<\/strong> que se otorga a la mejor \u00f3pera prima del Festival. Habi\u00e9ndose dado a conocer en la Semana de la Cr\u00edtica, el debutante C\u00e9sar Augusto Acevedo impresiona con esta obra s\u00f3lida y potente, cuidadosamente construida. En un gui\u00f3n que le pertenece, el director trat\u00f3 de exponer algunas de las experiencias que atraves\u00f3 personalmente permitiendo as\u00ed que la pel\u00edcula constituya una suerte de catarsis en torno a las ra\u00edces que constituyen el lazo que une al hombre con la tierra en que naci\u00f3. En la ficci\u00f3n, la historia se refiere a Alfonso, un viejo paisano que despu\u00e9s de una ausencia de 17 a\u00f1os donde abandon\u00f3 a los suyos, retorna al hogar ubicado en el valle del Cauca para salir al encuentro de su hijo que padece de una grave enfermedad; all\u00ed tambi\u00e9n se reencontrar\u00e1 con su mujer, nuera y su peque\u00f1o nieto, para tratar de reparar los errores del pasado y recuperar a los suyos. La actriz Sabine Azema que ofici\u00f3 como presidenta del jurado de la C\u00e1mara de Oro, tuvo palabras elogiosas destacando la emoci\u00f3n despertada por esta pel\u00edcula que aunque dura y triste, deja abierta una luz esperanzadora. Adem\u00e1s de Haimer Leal en el papel protag\u00f3nico participan Hilda Ruiz, Edison Raigosa, Marleyda Soto y Jos\u00e9 Felipe C\u00e1rdenas<\/p>\n

\"Michael<\/a>

Michael Caine y Harvey Keitel en YOUTH<\/p><\/div>\n

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Otros Comentarios de T\u00edtulos Exhibidos<\/strong><\/p>\n

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A pesar de que no hubo muchos filmes procedentes de Am\u00e9rica Latina, su reconocimiento qued\u00f3 traslucido con los premios recibidos. As\u00ed, confirmando la solida expansi\u00f3n del cine colombiano, El Abrazo de la Serpiente <\/strong>del director Ciro Guerra recibi\u00f3 el galard\u00f3n de mejor film presentado en la Quincena de los Realizadores. Narrando las aventuras vividas por dos diferentes cient\u00edficos occidentales, Theodor Koch-Grunberg y Richard Evans, quienes a principios del siglo pasado separadamente viajan al Amazonas en la b\u00fasqueda de una planta con propiedades curativas. El primero en hacerlo es el explorador Theodor quien cont\u00f3 con la asistencia del cham\u00e1n Karamakate, en tanto que 40 a\u00f1os despu\u00e9s la traves\u00eda es emprendida por Evans, esta vez con el mismo cham\u00e1n obviamente m\u00e1s avejentado, a fin de completar la investigaci\u00f3n de su antecesor. El relato antropol\u00f3gico refleja la dificultad de poder comprender los poderes de la naturaleza en un mundo ca\u00f3tico y revuelto. Haciendo una referencia impl\u00edcita a los negativos efectos del colonialismo, el film que oscila entre un clima realista y m\u00e1gico constituye un experiencia fascinante que cautivar\u00e1 al cin\u00e9filo exigente.<\/p>\n

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Tambi\u00e9n logr\u00f3 lauros el film argentino La Patota<\/strong> de Santiago Mitre que obtuvo el premio al mejor film de la Semana de la Cr\u00edtica as\u00ed como otro discernido por la Fipresci. Aunque se trate de una nueva versi\u00f3n de la pel\u00edcula realizada por Daniel Tynaire en 1960 con Mirtha Legrand, el enfoque difiere. Paulina (Dolores Fonzi) es hija de Fernando (Oscar Mart\u00ednez), un juez de la provincia de Misiones que disiente con la decisi\u00f3n de que su hija, una brillante estudiante, abandone la carrera de abogac\u00eda para impartir docencia en una zona desfavorecida del noreste argentino. Ya instalada y completamente comprometida con sus convicciones de cumplir una labor pedag\u00f3gica al servicio de la comunidad, a los pocos d\u00edas es objeto de una violenta agresi\u00f3n nocturna por una patota de cinco j\u00f3venes liderada por Ciro (Christian Salguero). Frente al comportamiento natural de toda mujer violada que denunciar\u00eda el salvaje hecho, ella adopta una actitud totalmente opuesta al aceptar la situaci\u00f3n tal como es incluyendo su estado de embarazo como resultado del violento acto. Quienes la rodean, en especial su padre y su novio (Esteban Lamothe) no llegan a comprender las razones que motivan a Paulina a actuar de esa manera al punto tal que el espectador tambi\u00e9n resulta confundido al no poder adentrarse en su psicolog\u00eda. Mitre presenta la situaci\u00f3n como una confrontaci\u00f3n entre la verdad de los hechos y la justicia se\u00f1alando en una frase mencionada por Paulina que los jueces \u00fanicamente buscan culpables. Cuando se niega terminantemente a abortar frente a su consternado padre, ella le replica que el hijo por nacer es producto de una realidad social que ni ella ni su progenitor est\u00e1n en condiciones de comprender.<\/p>\n

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El film mantiene inter\u00e9s a lo largo del relato aunque sin duda generar\u00e1 controversias relacionadas con la ideolog\u00eda que lo inspira. La estructura narrativa del film es ciertamente original aunque no necesariamente del todo lograda. La interpretaci\u00f3n del homog\u00e9neo elenco es convincente, sobre todo en el caso de Fonzi luci\u00e9ndose en el papel central<\/p>\n

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Premiado como el mejor documental presentado en el Festival, la pel\u00edcula Allende mi<\/strong> Abuelo Allende<\/strong> de Marcia Tambutti, nieta de Salvador Allende, se centra en el derrotero seguido por los numerosos miembros de la familia del ex Presidente chileno, como consecuencia del golpe de estado del 11 de Septiembre de 1973, en donde Allende como es bien sabido, opta por el suicidio antes de tener que entregarse a las fuerzas golpistas. En la investigaci\u00f3n, la realizadora trata de develar los secretos bien guardados por sus ancestros donde parecer\u00eda existir una conspiraci\u00f3n de silencio en lo que concierne a la figura de Allende como esposo, padre y abuelo. Es as\u00ed que en esa b\u00fasqueda, parte de su objetivo es logrado a trav\u00e9s de conversaciones mantenidas con sus primos as\u00ed como la presentaci\u00f3n de un \u00e1lbum de fotos que una de sus primas hab\u00eda guardado celosamente y que Tambutti se impuso del mismo durante la filmaci\u00f3n del documental.<\/p>\n

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La pel\u00edcula resulta interesante de contemplar pero a pesar de estar bien filmada m\u00e1s se asemeja a una cr\u00f3nica o diario familiar que a un documento introspectivo que arroje luces precisas sobre la personalidad del presidente. Adem\u00e1s de las fotos, el documental se centra en parte en las charlas de Tambutti con su abuela Tencha \u2013el nombre familiar de la viuda de Allende- donde algunas preguntas indiscretas obligan a su interlocutora a admitir el esp\u00edritu donjuanesco de su esposo adem\u00e1s de confesar el sufrimiento padecido por el comportamiento ad\u00faltero de su marido, en especial con su secretaria privada Miria Contreras, familiarmente conocida como la Payita, a pesar de que ella no aparece en el documental. Tambi\u00e9n emerge en el film su t\u00eda Beatriz quien habi\u00e9ndose exilado en Cuba asume una posici\u00f3n revolucionaria pero termina suicid\u00e1ndose en 1977 por la gran depresi\u00f3n que la aflige. En resumen sin llegar a ser un documental excepcional seguramente contar\u00e1 con la adhesi\u00f3n de un p\u00fablico leal a la memoria del ex mandatario chileno.<\/p>\n

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Una vez m\u00e1s el excelente director japon\u00e9s Hirokazu Kore-da infunde humanidad a Our Little Sister<\/strong>. Describiendo el entramado que existe en las relaciones familiares, utiliza la muerte de un familiar para enfocar la relaci\u00f3n existente entre 3 hermanas adultas y una hermanastra.<\/p>\n

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En Kamakura, una ciudad de playa ubicada no muy lejos de Tokio, viven Sachi (Ayase Haruka), Yoshino (Nagasawa Masami) y Chika (Kaho). La relaci\u00f3n fraternal existente es muy s\u00f3lida a pesar de que a veces pueden producirse ciertas escaramuzas, muy naturales entre hermanas. Es Sachi quien en la pr\u00e1ctica act\u00faa como una especie de madre protectora de sus otras dos hermanas menores desde el momento en que la progenitora se mud\u00f3 y la abuela muri\u00f3. Cuando reciben la noticia de que el padre, que hizo abandono del hogar hace mucho tiempo, acaba de fallecer, al acudir a los funerales se encuentran con Suzu (Hirose Suzu), la hermanastra adolescente que hasta ese momento no hab\u00edan conocido pero que biol\u00f3gicamente est\u00e1n vinculadas a trav\u00e9s de un padre en com\u00fan.<\/p>\n

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El relato, cuyo gui\u00f3n pertenece al realizador, se desenvuelve calmadamente ilustrando a trav\u00e9s de una sucesi\u00f3n de vi\u00f1etas el modo en que Suzu es aceptada como un nuevo integrante de la familia y el modo en que estos personajes perciben las facetas de la vida y la muerte en el contexto de los lazos que las unen. Aunque este film no alcance la dimensi\u00f3n dram\u00e1tica de Like Father, Like Son<\/em> (2013), pen\u00faltimo trabajo del realizador, de todos modos es capaz de lograr un cuadro \u00edntimo y c\u00e1lido, pleno de emociones encubiertas, donde trascienden los valores de la familia.<\/p>\n

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Aunque a la hora de los premios sali\u00f3 con las manos vac\u00edas, Mia Madre<\/strong> de Nanni Moretti es una pel\u00edcula menor en su filmograf\u00eda que de todos modos se destaca por su calidez humana. Narrando las vicisitudes de Margherita (Margherita Buy), una directora de cine que lucha desesperadamente con las actitudes lun\u00e1ticas e inseguras de su actor protag\u00f3nico americano (John Turturro) en la pel\u00edcula de connotaciones sociales que tiene en sus manos, el film alcanza un nivel de estimable patetismo al tener que estar permanentemente alerta con la enfermedad de su madre moribunda (Giulia Lazzarini). Lo que se exhibe puede que cierto p\u00fablico lo considere banal pero el destino inexorable de la pr\u00f3xima muerte de su progenitora logra conmover, donde no resulta extra\u00f1o que el realizador haya volcado aspectos de su vida personal cuando enfrent\u00f3 la muerte de su propia madre durante la etapa de post producci\u00f3n de Habemus papam<\/em> (2011).<\/p>\n

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Interesante para destacar es que el doble proceso vivido en el trabajo y en su vida personal hacen de Margherita el alter ego de Moretti reflejando el \u00edntimo drama familiar. Para atenuar los efectos melodram\u00e1ticos del relato, el director apela a la gracia y simpat\u00eda de Turturro. En esencia, \u00e9ste es un film que globalmente considerado habr\u00e1 de contentar a los cin\u00e9filos que gustan del cine de Moretti.<\/p>\n

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Otro buen film que no ha sido recompensado por el jurado oficial es Youth<\/strong> donde Paolo Sorrentino filma en idioma ingl\u00e9s para relatar la historia de dos viejos camaradas. Uno de ellos es Fred (Michael Caine), un director musical retirado, y el otro Mick (Harvey Keitel), un cineasta a\u00fan activo; ambos suelen reunirse anualmente durante la \u00e9poca estival en un hotel ubicado en una regi\u00f3n alpina de Suiza para compartir gratos momentos con la presencia de un buen n\u00famero de celebridades. La estad\u00eda anual se ve perturbada por la insistencia de un emisario de la Reina Isabel que desea que Fred dirija un concierto en Londres en base a ciertas canciones, donde el m\u00fasico se niega a complacerlo por razones muy personales; otros personajes incluyen a Miss Universo (Madalina Ghnenea), un ex futbolista de extraordinaria popularidad, otro visitante que se asemeja Adolf Hitler, y fundamentalmente la presencia de una madura y popular actriz (Jane Fonda) que se niega a participar en el pr\u00f3ximo film de Mick porque lo considera un director decadente debido a que su imaginaci\u00f3n creativa del pasado se ha desvanecido con el transcurso del tiempo.<\/p>\n

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En el marco de un medio pintoresco con algunas connotaciones surrealistas que caracterizan el cine de Sorrentino, el film refleja la realidad ineluctable de la vida donde resulta imposible conservar la eterna juventud cuando el deterioro f\u00edsico y\/o mental comienza a flaquear. La interpretaci\u00f3n de Caine, reposada y sobria, as\u00ed como la de Keitel resulta a todas luces exitosa, donde ambos actores mantienen una p\u00edcara complicidad que contagia al espectador.<\/p>\n

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Otro film satisfactorio es One Floor Below <\/strong>del director rumano Radu Muntean. La original historia pone a prueba el modo en que la justicia puede ser evasiva con respecto a la veracidad de los hechos producidos, tal como son expuestos aqu\u00ed.<\/p>\n

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Teodor Corban da vida a Sandu Patrascu, un individuo de mediana edad viviendo en Bucarest y sin rasgos especiales para definirlo, salvo el se\u00f1alar que tiene una familia integrada por su esposa Olga (Oxana Moravec) y su hijo adolescente Matei (Ionut Bora). Cuando un d\u00eda, despu\u00e9s de haber paseado a su perro, regresa a su hogar subiendo las escaleras del edificio en que habita para llegar al tercer piso, oye que en el departamento del segundo piso se produce una violenta discusi\u00f3n entre un hombre y una mujer. Sin dar mayor importancia a esa refriega, todo prosigue normalmente para Patrascu hasta que al d\u00eda siguiente se entera que la mujer del piso de abajo ha sido asesinada. A pesar de que tiene la convicci\u00f3n de que Vali (Iulian Postelnicu), el hombre con el que la difunta compart\u00eda el departamento, ha sido el criminal, cuando la polic\u00eda interroga a Patrascu \u00e9ste manifiesta no haber o\u00eddo nada. De ah\u00ed en m\u00e1s, comenzar\u00e1 a trabajar la conciencia de este hombre cuando piensa que de haber intervenido en su momento se hubiese podido evitar el crimen.<\/p>\n

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El relato adquiere el car\u00e1cter de un thriller porque Patrascu sabe que Vali es consciente de que \u00e9l conoce la verdad aunque no la revel\u00f3 a las autoridades. Es all\u00ed que se inicia un enfrentamiento peligroso cuando Vali comienza a entrometerse en su vida familiar. Sin adelantar m\u00e1s sobre el devenir de los acontecimientos, la historia demuestra c\u00f3mo la cobard\u00eda de un hombre haci\u00e9ndose involuntariamente c\u00f3mplice del asesino, permite que un crimen quede impune donde de esta manera los conceptos de verdad, moral y cargo de conciencia afloran con m\u00e1xima intensidad. La excelente puesta en escena, el realismo de los actores en el desempe\u00f1o de sus personajes y el clima de suspenso logrado son los factores distintivos de esta notable film, confirmando a Muntean como un importante director del cine rumano.<\/p>\n

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\"Teodor<\/a>

Teodor Corban en ONE FLOOR BELOW<\/p><\/div>\n

Homenaje a Agn\u00e8s Varda<\/strong><\/p>\n

En la velada de clausura del Festival la excelente directora Agn\u00e8s Varda, que ma\u00f1ana cumple 87 a\u00f1os, fue distinguida con la Palma de Oro de Honor como reconocimiento a su magn\u00edfica trayectoria art\u00edstica.<\/p>\n

Es ella la primera mujer en recibir tan importante distinci\u00f3n sucediendo as\u00ed a Woody Allen (2002), Manoel de Olivera (2008), Clint Eastwood (2009) y a Bernardo Bertolucci (2011).<\/p>\n

La directora, altamente conmovida, dedic\u00f3 ese premio a Jacques Demy, su marido ya desaparecido, anunciando que la Palma ser\u00e1 colocada en su casa al lado de la Palma de Oro que \u00e9l hab\u00eda recibido en 1964 por la inolvidable joya musical\u00a0\u00a0 Los Paraguas de Cherburgo.<\/em><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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