QUI BRILLE AU COMBAT . Francia, 2025. Un film de Joséphine Japy. 96 minutos

QUI BRILLE AU COMBAT . Francia, 2025. Un film de Joséphine Japy. 96 minutos

Mélanie Laurent, Sarah Pachoud y Angélina Woreth en QUI BRILLE AU COMBAT

Por Jorge Gutman

QUI BRILLE AU COMBAT . Francia, 2025. Un film de Joséphine Japy. 96 minutos

Una íntima crónica familiar es lo que se aprecia en Qui brille au combat, el primer largometraje de la actriz Joséphine Japy relatando una afección genética que en la vida real experimenta su hermana menor. Esta autobiografía guionizada por la novel cineasta juntamente con Olivier Torres adopta un carácter ficcional aunque en varias instancias se tiene la sensación de asistir a un documental debido a la autenticidad que destila esta dramática historia.

La narración introduce a la audiencia al seno de la familia Rousseau integrada por Gilles (Pierre-Yves Cardinal), su esposa Madeleine (Mélanie Laurent) y sus hijas Marion (Angélina Woreth) de 17 años de edad y Bertille (Sarah Pachoud) dos años menor. A través de la mirada de Marion (alter ego de la directora) se contempla cómo este núcleo familiar frágilmente equilibra su existencia debido a que Bertille sufre el síndrome de Phelan-McDermid, un trastorno genético del neurodesarrollo. Esa situación que se asemeja a un raro autismo conduce a que la adolescente adopte una conducta decididamente anormal, lo que se refleja entre otros hechos  en no hablar, caminar todo el tiempo, cubrir su rostro de comida como si se tratara de un bebé que en tal sentido es tratada por su madre; a todo ello el impreciso diagnóstico recibido es que ella puede dejar de existir en cualquier momento.

Esa severa discapacitación conduce a que los restantes miembros de la familia tengan que sobrellevar el tremendo peso de la convivencia brindándole a Bertille el mayor apoyo posible a la vez que tratando de mantener la fortaleza necesaria para superar los obstáculos de su discapacidad. En dicha comunidad familiar, es admirable la devoción de Madeleine ocupándose de su hija, así como Marion sintiendo un inmenso cariño por su hermana menor y responsabilizándose por ella trata de armonizar su deseo de emancipación como avanzada adolescente. En cuanto a Gilles, al alejarse del caótico hogar para sumergirse en su diario trabajo encuentra la manera de atenuar su estado anímico.

A través de sucesivas viñetas se asiste a los pormenores del estrés vivido por esta familia, manteniendo una constante alerta por la imprevisibilidad de los actos de Bertille. No obstante la situación descripta, la realizadora imprimiendo una notable solidez narrativa evita el patetismo resaltando las situaciones dramáticas de manera contenida, sin que por ello queden ausentes las emociones experimentadas por sus personajes. La única observación del relato reside en el romance de Marion con un hombre de mayor edad (Félix Kysyl) que nada agrega al tema central.

Uno de los indudables valores del film  reside en su impecable elenco, en el que se distinguen la excepcional actuación de Pachoud en el difícil rol que impone la caracterización de Bertille, la firmeza de Laurent componiendo a la estoica madre y la ajustada composición de Woreth transmitiendo con completa convicción a la abnegada Marion. 

Este realista drama tratado con suma delicadeza, remarcable sensibilidad y absoluta naturalidad, demuestra la madurez de la novel realizadora, creando favorables expectativas para futuros proyectos fílmicos que resuelva encarar.

RENOIR. Japón-Francia- Singapur-Filipinas-Indonesia-Qatar, 2025. Un film escrito y dirigido por Chie Hayakawa. 120 minutos

Yui Suzuki en RENOIR

Después de haber incursionado como directora en el cortometraje Niagara (2014) y posteriormente  elogiada en la sección Un certain regard en Cannes con su ópera prima Plan 75 (2022), la directora japonesa Chie Hayakawa retorna con Renoir que el año pasado participó en la competencia oficial de dicho prestigioso festival. Como se ha dado en otros casos de cineastas inspirados en su infancia, la directora se basó en sucesos vividos en la suya cuando su padre adoleció de una grave enfermedad. 

La historia se ubica en los suburbios de Tokio hacia finales de la década del 80  donde Fuki (Yui Suzuki), una niña de 11 años, experimenta la soledad de tener a su padre Keiji (Lily Franky)  hospitalizado padeciendo de un tumor terminal; por su parte la relación con su madre  Utako (Hikari Ishida) no es lo suficientemente comunicativa porque para mantener su hogar ella se encuentra inmersa trabajando como supervisora de una compañía y además vive angustiada por la dolencia de su esposo.  Es así que para contrarrestar la ausencia de su familia Fuki se aferra a su desbordante imaginación, en gran medida alimentada con su obsesión por la muerte; en tal sentido en la voz en off ella se pregunta si realmente se siente pena por la persona que muere o en cambio por el vacío que deja en uno mismo, por lo que lo mejor es no llorar para nada; eso a su vez se complementa con uno de sus escritos que lo titula “Quisiera ser huérfana” , hecho que llama la atención de la escuela a la que asiste. Simultáneamente la niña se involucra en diversas situaciones que reflejan un extraño comportamiento; así además de su relación con una compañera de escuela (Yuumi Kaway), su incursión en la telepatía hace que se ofrezca como hipnotizadora de su vecino, o bien en una instancia más arriesgada establece una cita telefónica con un pedófilo (Ryôta Bandô) a quien llega a visitarlo, creando una escena de considerable tensión.

Cabe aclarar que el título del film se debe a que en una escena de escasos segundos Fuki observa la reproducción de la pintura “La Petite Fille au ruban bleu” realizada por el célebre artista impresionista Pierre-Auguste Renoir.

La película es construida mediante una serie de episodios fragmentados que sin una específica ilación a veces resultan no muy fáciles de seguir. En consecuencia su dispersa narración que en partes se vuelve difusa requiere paciencia para involucrarse por completo  en este drama familiar; en tal aspecto hay una vital escena reseñando el vínculo que mantiene la japonesita Fuki con su profesora de inglés donde aprende el lenguaje del duelo conversando en ese idioma.

Sin llegar al nivel de su trabajo precedente Hayakawa permite que su sensible propuesta basada en sus recuerdos trascienda por la impecable actuación de la pequeña Suzuki quien aportando su serena mirada plenamente se posesiona del vaivén emocional de su personaje durante el proceso de maduración enfrentando finalmente el deceso de su padre. En suma, a pesar de sus altibajos, el film no exento de sensibilidad logra atraer la atención del espectador. 

LIRE LOLITA À TÉHÉRAN. Israel-Italia, 2025. Un film de Eran Riklis. 108 minutos

Golshifteh Farahani en LIRE LOLITA À TÉHÉRAN

La literatura como remarcable instrumento para contrarrestar la represión política es el tema que el director israelí Eran Riklis plantea en Leer Lolita en Teherán

El guión del cineasta y Marjorie David está basado en el libro autobiográfico Reading Lolita in Tehran: A Memory in Books de la escritora Azar Nafisi publicada en 2003. 

Como muchos exilados de Irán que vivieron en el exterior durante el régimen del Sha, la revolución islámica de 1979 liderada por el Ayatolá Komeini motiva que Azar Nafisi (Golshifteh Farahani) después de haber permanecido varios años en Estados Unidos y graduada en literatura inglesa retornara en 1979 a su tierra natal con su marido ingeniero civil Bijan Nafisi (Arash Marandi).

No tardará mucho tiempo para que ella como profesora universitaria de literatura vea su ilusión desvanecida al tener que  convivir bajo un sistema de rígido gobierno autocrático completamente desligado de la verdadera democracia; eso se manifiesta con la imposición de medidas represivas en el que las mujeres son las que más sienten dicho impacto al ser obligadas a utilizar el velo reglamentario, siendo limitadas en lo concerniente a su formación intelectual y en general tendiendo a silenciarlas. 

Como persona libre e independiente que contraría las normas vigentes para la mujer en 1995 Azar es expulsada de la universidad; es entonces que decide crear un club literario y con tal propósito reúne en su hogar a sus mejores alumnas para que mediante la lectura de libros prohibidos por el régimen  pueda despertar en ellas la pasión de la literatura. 

Riklis estructura su  relato a través de segmentos no lineales donde cada uno de los mismos está referido al título del libro que es leído; eso incluye a Orgullo y Prejuicio de Jane Austen, Daisy Miller de Henry James, El Gran Gatsby de Scott Fitzgerald y Lolita de Vladimir Nabokov. Esas novelas motivan a las asistentes a involucrarse en sus variadas temáticas -sexualidad, moralidad, matrimonio, amor- descubriendo de ese modo un mundo que les era hasta ese entonces desconocido y que les permite concebir una nueva forma de considerar sus vidas mediante la libertad de pensamiento.

Queda claro el alentador mensaje del film demostrando el gran poder que ejerce la literatura estimulando el espíritu creativo en el marco de una sociedad acallada por el régimen teocrático. 

Desde un análisis estrictamente cinematográfico, hay cierta desigualdad narrativa en la puesta escénica del director lo que afecta su fluidez y a ello se agrega que el guión reitera situaciones expuestas con antelación alargando el metraje innecesariamente. A pesar de estas objeciones el film amerita su visión por su trascendencia temática que adquiere amplia vigencia actual demostrando la resiliencia de las mujeres que arriesgan sus vidas para defender sus legítimos derechos. Asimismo el elenco es otro de los positivos valores de la película resaltando la magnífica  actuación de Farahani quien transmite el carisma, la inteligencia y la elocuencia que son atributos de la personalidad de Azar Nafisi; parte del restante elenco integrado por Zar Amir-Ebrahimi, Mina Kavani, Bahar Beihaghi, Isabella Nefar, Raha Rahbari y  Lara Wolf, correctamente se desempeñan satisfactoriamente animando a las discípulas de Nafisi.