HABLEMOS DE CINE
HABLEMOS DE CINE
Una escena del film de animación RIO 2
Por Jorge Gutman
Con el buen recuerdo del exitoso film de animación Río (2010), el director brasileño Carlos Saldanha ofrece una secuela que sin ser excepcional, configura un ameno entretenimiento para que tanto los niños como los adultos puedan disfrutarlo.
Jesse Eisenberg como Blu y Anne Hathaway como Jewel vuelven a aportar sus voces
a la singular pareja de guacamayos azules, una especie en vías de desaparición, que se habían unido en Río de Janeiro al finalizar el film precedente. Estos pájaros han logrado formar una linda familia y al comenzar Rio 2 celebran la llegada de un nuevo año junto con sus tres inquietos hijitos (voces de Amandla Stenberg, Pierce Gagnon, Rachel Crow) en las playas de la ciudad; en esas primeras imágenes el espectador puede apreciar una explosión de colores visualmente atractiva al compás de agradables melodías cariocas.
Aunque viviendo felices en Río de Janeiro, Jewel añora retornar a la naturaleza salvaje y la oportunidad se le presenta cuando sus antiguos dueños conservacionistas (Leslie Mann, Rodrigo Santoro) en una expedición realizada a la jungla del Amazonas llegan a descubrir que estos raros ejemplares de guacamayos también pueden ser encontrados allí. Estimulada por dicha noticia, Jewel logra persuadir a Blu para que toda la familia se desplace al lugar donde han sido detectados estos simpatiquísimos animalitos; acompañados del colorido tucán Rafael (George Lopez), del canario Nico (Jamie Foxx) y del cardenal Pedro (will.i.am), llegan a destino después de un largo viaje de más de 3000 kilómetros, no sin antes haber esquivado los peligros de amenazadores cocodrilos, pirañas, tarántulas y reptiles. Dejando el confort que mucho apreció Blu en Río, él deberá aprender a adaptarse al nuevo medio, especialmente teniendo en cuenta que allí Jewel llega a encontrar a su padre Eduardo (Andy García) –a quien creía desaparecido- convertido en un orgulloso patriarca y líder del grupo, a su tía (Rita Moreno) y además a Roberto (Bruno Mars), un compañero de infancia.
Además de exponer la belleza de la jungla salvaje en perfecta armonización con la naturaleza y los animales que la habitan, el guión de Saldanha -escrito con otros colaboradores- introduce una moderada tensión dramática con la presencia de algunos villanos como lo son el malévolo y vengativo papagayo Nigel (Jemaine Clement) y la ponzoñosa ranita Gabi (Kristin Chenoweth), así como la presencia de humanos depredando la foresta tropical.
Aunque argumentalmente la historia tiene ciertos desniveles debido a que abunda en demasiadas subtramas que llegan a distraerla del foco central, esa limitación no alcanza a desmerecer las cualidades del film que resulta gratificante, entre otras razones, por sus atractivos personajes y su esplendor visual respaldado por vívidos colores. Mención especial merecen los 14 pegadizos temas musicales satisfactoriamente coreografiados y que están inspirados en los ritmos y percusiones de las regiones del norte de Brasil; en tal sentido, resultó auspicioso el equipo integrado por el compositor John Powell, el productor musical Sergio Mendes y Carlinhos Brown como autor de la letra, quienes con sus canciones permiten el lucimiento de Hathaway cantando Don’t Go Away, Foxx, Moreno, García y Crow entonando Batucada Familia, así como Chenoweth y Clement interpretando I will survive, el popular tema de Gloria Gaynor.
Finamente cabe destacar el mensaje ambientalista propuesto por Saldanha en la medida que el relato trasluce la importancia que tiene la selva amazónica para la conservación de una variedad de especies animales que encuentran allí su hábitat natural y en donde el modo de lograr ese objetivo es impidiendo su implacable deforestación.
Alejandro Jodorowsky en el documental JODOROWSKY’S DUNE
JODOROWSKY’S DUNE. Francia, 2013. Un film de Frank Pavich
En la historia del cine figuran proyectos de grandes realizadores que nunca llegaron a concretarse a pesar del empeño puesto en la gestión, como por ejemplo lo fue el caso de Orson Welles con It’s All True, un film que comenzó a rodarse en Brasil en 1942 y que fue dejado inconcluso. Con todo, nada es comparable con lo que el director de culto chileno Alejandro Jodorowsky comenzó a emprender cuando decidió filmar Dune, la alucinante novela de ciencia ficción de Frank Herbert, que para él habría de constituir el gran sueño de su vida como cineasta. Sin embargo y a pesar de los grandes esfuerzos realizados, lo planeado llegó a frustrarse.
En base a lo que antecede el documentalista Frank Pavich decidió indagar sobre el malogrado gigantesco proyecto teniendo como interlocutor principal a Jodorowsky, hoy día de 84 años, quien con lujo de detalles pasa revista a la génesis del mismo y a todos aquéllos que directa o indirectamente estuvieron involucrados.
Después del éxito logrado por la crítica y por los cinéfilos con El Topo (1970) y La Montaña Sagrada (1973), el productor francés Michel Seydoux se sintió profundamente impresionado por ambos filmes y decidió brindar su apoyo a Jodorowsky permitiendo que en 1975 se embarcara en filmar lo que más quisiera. En vista de ese entusiasmo, y ya pensando en algo grandioso y radical, el director manifiesta a las cámaras que decidió abordar Dune, que a pesar de no haber leído la novela, había considerado que el film que tenía en mente constituiría algo semejante como sumergir a los espectadores en el LSD aunque obviamente sin sus efectos reales. Resulta de gran interés la manera extrovertida y entusiasta de cómo él le manifiesta a Pavich haber tenido la intención de ofrecer algo revolucionario de tal forma que el film proyectado pudiese abrir una nueva mentalidad en los espectadores sobre la manera de apreciar su cine. En principio, decidió escribir el guión y en su elaboración tuvo en cuenta que el rico material literario que disponía debía ser adaptado cuidadosamente para que su contenido pudiera ser transmitido en imágenes. Para el equipo que participaría en el film decidió convocar a personajes de trascendencia internacional en el firmamento de la creación artística.
Difícil de imaginar una conjunción de valores como las que Jodorowsky logró reunir. Así fue capaz de persuadir al excéntrico y gran pintor catalán Salvador Dalí para interpretar uno de los papeles, también convenció al célebre realizador Orson Welles para que lo hiciera, como así también participarían David Carrradine, Mick Jagger, Udo Kier, e incluso el propio hijo del director en uno de los roles principales. No menos importante fueron los artistas que habrían de volcar sus talentos en los renglones técnicos; entre los mismos se encontraban el genial artista gráfico Jean Giraud –más conocido con el sobrenombre de “Moebius”-, el gran experto de efectos especiales Dan O’Bannon, la presencia del artista H.R. Giger quien sugerido por Dalí tendría a su cargo el diseño del imperio del cruel Barón Vladimir Harkonnen, y en lo concerniente a la música estaría nada menos que la famosa banda de rock británica Pink Floyd.
Si bien el productor Seydoux logró reunir 10 de los 15 millones que implicaría el presupuesto del film, se necesitaba completar el monto faltante. Es allí que surgieron los insalvables inconvenientes cuando al recurrir a los principales estudios de Hollywood para completar el financiamiento, uno tras otro rechazaron la propuesta por encontrar que Jodorowsky era un autor demasiado radical, además de considerar que el film de 10 a 12 horas de duración excedería ampliamente lo necesario para una exhibición regular; finalmente, no menos importante era que su autor no estaba dispuesto a negociar o comprometer la integridad de su proyecto. Es así como con gran pena de todo el equipo reunido, Jodorowsky tuvo que cancelar el proyecto después de haber dedicado dos años y medio de trabajo. Para peor, el director se sintió profundamente dolorido cuando en 1984 se impuso que la hija de Dino de Laurentis financiaría el rodaje de Dune con David Lynch como realizador; sin embargo, llegó a solazarse cuando comprobó el fracaso de esa película. En todo caso, el trabajo de Jodorowsky y del equipo que lo secundó sirvió para que en los años siguientes haya tenido gran influencia en importantes películas de ciencia ficción como lo fueron Star Wars, Alien, Flash Gordon y Prometheus, entre otros títulos.
Realizado en forma amena, Pavich logra un film interesante exponiendo la personalidad del surrealista director, cuya locuacidad y manera de expresarse –a pesar de su relativa poca modestia- logra captar la simpatía del público, sobre todo porque es fácil de comprender la frustración y tristeza de quien avizoró un gran sueño y que cuando todo estaba a punto de concretarse se estrelló con la realidad imposible de soslayar. Pero cuando al final de este documental Jodorowsky manifiesta que “la mente es como el universo en continúa expansión” quiere significar que se debe mirar hacia adelante con optimismo y no lamentarse sobre la leche derramada.
Como coda del relato cabe señalar que después de este proyecto, Jodorowsky y Seydoux siguieron diferentes rumbos hasta que el destino los volvió a unir cuando después de 23 años sin haber filmado, el director vuelve a hacerlo en La Danza de la Realidad, film de ficción de carácter autobiográfico que merecerá un análisis separado cuando se estrene comercialmente en poco tiempo más.
. Una escena del documental QUE TA JOIE DEMEURE
JOY OF MAN’S DESIRING/ QUE TA JOIE DEMEURE. Canadá 2014. Escrito y Dirigido por Denis Côté.
Después de un curioso monólogo a manera de prólogo donde una mujer desconocida advierte al público de que sea cordial, respetuoso y honesto o de lo contrario ella lo destruirá, el reciente documental de Denis Côté cambia de tono para enfocar la labor de los trabajadores en las fábricas. De algún modo se asume que el film intenta establecer la relación del hombre con la máquina que utiliza como instrumento de trabajo dentro del contexto de la vida industrial. De ningún modo el realizador pretende emular al extraordinario film de Chaplin Modern Times sino que se limita a mostrar viñetas del lugar en que los obreros desempeñan sus labores. En tanto que en ciertos momentos la cámara se detiene enfocando el rostro de los mismos como si estuviese tomándoles una foto con tomas estáticas que carecen de real dramatismo, en otros se los ve tomando un café o durante la hora de almuerzo; una que otra reflexión surge de un operario señalando que desde que entró a la fábrica durante tres años maneja la misma máquina, mientras que otra escena muestra a un africano deprimido con el trabajo que realiza.
Con diálogos mínimos en base a conversaciones fragmentarias y en gran parte intrascendentes -como por ejemplo una referida a la familia real de Marruecos- más la ausencia de desarrollo dramático, hace que resulte difícil concluir hacia donde apunta el relato. Así, por ejemplo la presencia de inmigrantes dentro de un ambiente laboral francófono no deja margen alguno para cavilar o elucubrar; tampoco se puede concluir de lo expuesto que el director quiera reflejar la existencia de una explotación patronal porque es bien sabido que a él no le interesa un cine de contenido social o político. ¿Cuál es en consecuencia el sentido del film que el espectador podría inferir? Quizá, aunque sin estar muy seguro de ello, el interés del realizador sería el de ilustrar la alienación del obrero o la soledad que siente en su puesto de trabajo, pero ciertamente su enfoque carece de la profundidad necesaria para llegar a convencer.
Como en sus filmes anteriores, el director imprime cierto tono poético al relato tal como se desprende de la escena final con un niño tocando el violín para unos obreros que lo contemplan con una tierna sonrisa.
Conclusión: Más allá de ciertos logros formales, este documental aborda temas interesantes de analizar pero que al no ser desarrollados satisfactoriamente resultan poco coherentes y en consecuencia difícil de atraer la atención del espectador.
Foto de Pablo Trapero
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