HABLEMOS DE CINE
HABLEMOS DE CINE
Guy Pearce y Robert Pattinson en THE ROVER
Por Jorge Gutman
Después de su exitoso debut en 2010 con Animal Kingdom, el director y guionista David Michôd retorna con otro drama que ilustra la deshumanización del individuo en un medio inhóspito recurriendo a personajes que en su mayoría viven al margen de la ley y que poco les importa el valor de la vida humana.
Sin precisar en qué momento transcurren los hechos, aunque se podría inferir que corresponde en el futuro, la acción se desarrolla en una desolada región de Australia diez años después de que el mundo sufrió un fuerte colapso económico. Ese acontecimiento post apocalíptico motiva a que para seguir viviendo poco cuenta los medios a los que se deba recurrir.
Dentro del contexto descripto, el guión del realizador escrito con Joel Edgerton fundamentalmente enfoca a dos individuos. Uno de ellos es Eric (Guy Pearce), un hombre frío, taciturno y a la vez colérico que no puede ocultar su indignación cuando en un alto del camino para comer ve cómo un trío de delincuentes encabezado por un americano llamado Henry (Scoot McNairy), le roba su coche. El otro personaje central de esta historia es Rey (Robert Pattinson), el hermano menor de Henry, que fue dejado mal herido después de una refriega y a quien Eric encuentra en la ruta. Después de ser atendido por una doctora (Susan Prior), Rey accede unirse a Henry para hallar a los fugitivos, poder rescatar su automóvil y vengarse de los mismos.
Uno de los aspectos esenciales del relato es el contraste de personalidades que surge entre estos dos caracteres y el desarrollo emocional que se produce en el viaje que emprenden en procura de los fugitivos. Mientras que Henry no tiene escrúpulos para actuar y eliminar a quien se le interponga en su camino, Rey es un personaje mentalmente desestabilizado y con dificultades para poder expresarse. No obstante, a lo largo del periplo, gradualmente cada uno de ellos confiará al otro sus respectivos pasados: así, se sabrá sobre los antecedentes criminales de Henry y las razones que lo motivan a ser escéptico y descreído del ser humano, mientras que Rey por su parte le comenta que su hermano y él llegaron a Australia para trabajar en las minas –una de las pocas actividades explotadas- y finalmente integrando la pandilla de delincuentes mediante asaltos armados logran el dinero necesario para sobrevivir. Lo que sigue a continuación es un cúmulo de acontecimientos violentos con un desenlace un tanto exabrupto que deja un hálito de insatisfacción en torno a la expectativa creada a lo largo del relato. Con todo cabe apreciar tanto la muy lograda caracterización de Pierce como el clásico antihéroe interesado en recuperar su coche así como la de Pattinson animando al vulnerable y patético Rey.
Michôd ha logrado un film minimalista creando una atmósfera que evoca el género del western donde el lejano oeste es reemplazado aquí por un paisaje inmenso y solitario. En tal sentido la fotografía de Natasha Braier contribuye para captar ese panorama e implementando visualmente lo que el relato desea transmitir. Igualmente se distingue la música de Antony Partos así como la del diseñador del sonido Sam Petty creando efectos imaginativos y a veces perturbadores que se asocian adecuadamente a la tensión que emana del relato.
Jonah Hill y Channing Tatum en 22 JUMP STREET
22 JUMP STREET. Estados Unidos, 2014. Un film de Phil Lord y Christopher Miller
Pocos imaginaron hace dos años que 21 Jump Street basado en las series de televisión tuviera el gran éxito alcanzado. Capitalizando esos beneficios llega ahora la secuela con 22 Jump Street de los mismos realizadores, Phil Lord y Christopher Miller, como así también con el popular dúo integrado por Channing Tatum y Jonah Hill animando al descabellado par de policías que juntos demuestran no ser tan incompetentes como parecen.
No hay mayor novedad en esta segunda parte; más aún, cuando el jefe de policía (Nick Offerman) se dirige a Schmidt (Hill) y Jenko (Tatum) diciéndoles que en la nueva misión que se les encomienda sigan comportándose del mismo modo que la última vez para que todo el mundo quede feliz, esas palabras se asocian perfectamente para que el público asista a una historia que con cambios menores resulta calcada de la anterior aunque sin el factor sorpresa de aquélla.
En esta oportunidad los simpáticos detectives, siempre bajo las órdenes del irascible capitán Dickson Cube (Ice Cube), en forma encubierta y con diferente identidad deben aparecer como alumnos de una universidad local para determinar la fuente de una nueva droga llamada “whyphy” (jocosamente asociada con wifi) y desenmascarar a los principales responsables de un peligroso cartel que se ocupa de traficarla y que ya causó la muerte de un estudiante. Para no despertar sospecha alguna, Jenko se integra con el equipo de fútbol estudiantil en tanto que Schmidt lo hace con un grupo de estudiantes que forman parte de un club de poetas logrando impresionar a una hermosa estudiante de arte (Amber Stevens) con la que mantendrá un particular romance.
No hay mucho para analizar o concluir en esta alocada historia que al igual que la primera no tiene viso alguno de realidad aunque provee en forma intermitente algunos momentos de franco humor, ciertas escenas de persecuciones así como instancias de acción donde no faltan peleas y otros enfrentamientos más peligrosos, compensando de este modo la ausencia de una trama coherente. En todo caso, lo más valioso del film descansa en Hill y Tatum quienes demuestren una vez más que poseen amplios recursos para la comicidad; comportándose con la mentalidad de dos adolescentes demuestran que existe entre ellos una magnífica complicidad como compañeros de la aventura en que les toca actuar además de sustentar una auténtica calidez en la relación que los vincula lo que les permite captar con gran facilidad la adhesión de la audiencia.
Para concluir es importante que el público aguarde los créditos finales que de por sí constituyen un apéndice de 7 minutos; además de constituir uno de los momentos más gratos del film, como resultado del mismo queda claro que habrá 23, 24, 25 y posiblemente más números de Jump Street por venir para que los que han disfrutado de esta segunda parte puedan seguir divirtiéndose con las tonteras y payasadas de Schmidt y Jenko.
Jesse Eisenberg en THE DOUBLE
THE DOUBLE. Gran Bretaña, 2013. Un film de Richard Ayoade
Pocos meses después de haberse estrenado Enemy de Denis Villeneuve ahora se conoce El Doble sobre la misma temática. Si la novela del premio Nobel José Saramago no logró un feliz traslado a la pantalla, en este caso la adaptación del libro de Fiódor Dostoyevski tampoco llega a satisfacer.
En la obra del escritor ruso publicada en 1846 hay un contexto social que permite al lector compenetrarse con la tortura psicológica de su personaje principal frente a una desquiciada burocracia rusa y a un medio social que lo humilla, rechaza y desprecia frente a la aparición de un doble real o imaginario. El film de Richard Ayoade prefiere ubicar a su protagonista en algún lugar no especificado sin precisar en que época transcurre; estos dos elementos conspiran en parte para que uno no pueda ambientarse en el relato del film.
En la primera escena de la adaptación efectuada por el realizador junto a Avi Korine se aprecia la presencia de Simon (Jesse Eisenberg) un ser torturado quien en un transporte público alguien –cuyo rostro no se ve- le exige que le ceda el asiento en que se encuentra a pesar de que hay numerosos otros vacíos puesto que ellos son los únicos pasajeros en el interior del vehículo. Esa escena marca el tono del resto del relato.
Empleado de oficina, Simon es un individuo tímido, encerrado en sí mismo y poco elocuente que cumple diariamente sus funciones en un ambiente opresivo en donde es menospreciado. En lo personal se siente atraído por Hanna (Mia Wasikowska), una compañera de oficina a quien no se atreve a confesarle sus sentimientos. Todo cambia cuando James (Eisenberg), un individuo que físicamente es igual a Simon, se incorpora a la oficina. Con opuesta personalidad a la de Simon, este “doble” derrocha gracia, es increíblemente carismático, confiado y seguro de sí mismo, logrando fácilmente captar la simpatía y aprecio de todo el personal incluyendo el jefe de la sección (Wallace Shawn) así como también logra conquistar a la jovial Hanna. Poco a poco James va apoderándose de la personalidad de Simon lo que produce en éste una crisis de identidad que agrava aún más su neurótica personalidad convirtiéndolo en un completo miserable.
Si bien la deshumanización y alienación en los lugares de trabajo así como la pérdida de identidad de quienes resultan incapaces de llegar a ser lo que aspiran son tópicos de punzante interés, esta historia resulta demasiado agobiante, deprimente, fría y que además de repetitiva no profundiza en la personalidad de Simon. La aparición de su doble es un elemento que intensifica la humillación y soledad en que se encuentra, pero nada hace pensar que si James no hubiese existido, el antihéroe de esta historia habría sido diferente; en eso reside el problema mayor del relato al no indagar en su psicología y las razones de su esquizofrénica personalidad, este personaje sigue siendo un enigma sin que exista mayor interés para identificarse con él.
A su favor cabe reconocer que el realizador ha logrado crear una ambientación claustrofóbica que se asocia al contenido del relato; pero las logradas imágenes, si bien intensifica el clima de opresión y pesadilla del relato finalmente no gratifica al espectador.
Laurence Leboeuf en LA PETITE REINE
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