HABLANDO DE CINE

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Hilary Swank y Tommy Lee Jones en THE HOMESMAN

Por Jorge Gutman

Nue­va­mente Tommy Lee Jones da mues­tras de ser un con­su­mado rea­li­za­dor tal como lo demos­tró en su ópera prima The Three Burials of Mel­quia­des Estrada (2005) que habiéndose estre­nado en Can­nes obtuvo el pre­mio al mejor actor y al mejor guión. En su segunda incursión detrás de la cámara donde también enca­beza el reparto, Lee Jones des­cribe con fineza el espí­ritu de una época a través de un muy buen western femenino. Sin que exista romance de por medio como en principio se pudiera prever, y utilizando una moderada violencia sin caer en desbordes efectistas, el realizador ha construido meticulosamente un film sobrio, innovador, nada predecible  y de calidad superior, capaz de satisfacer a una  audiencia selectiva.

Basado en la novela The Shoo­tist de Glen­don Swart­hout publicada en 1988, el relato del realizador escrito con Kieran Fitzgerald y Wesley Oliver se ubica en 1854, diez años antes de la Guerra Civil,  y gira en torno de Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), una sol­te­rona pio­nera de gran cora­zón y nota­ble valor que decide tomar bajo su res­pon­sa­bi­li­dad el tras­lado de tres muje­res (Miranda Otto, Grace Gummer, Sonja Richter) men­tal­mente ines­ta­bles por diferentes razones, desde Nebraska hasta una iglesia de Iowa. En el trans­curso del largo viaje Mary salva de la horca a George Briggs (Lee Jones), un desertor del ejército; a cam­bio de ese acto de nobleza el taci­turno indi­vi­duo acepta acom­pa­ñarla en su misión, com­par­tiendo la dura expe­rien­cia de tener que superar los peli­gros de dife­rente índole atra­ve­sando la vasta región de la Fron­tera Americana.

Swank, en el más importante rol que le ha tocado asumir desde su brillante desempeño en Million Dollar Baby (2004), se introduce plenamente  en la piel de la avezada pionera dotada de una remarcable fortaleza a la vez que capaz de controlar sus emociones; ella  logra una especial química al lado del antihéroe vaquero personificado muy bien por el realizador. Además de sus protagonistas principales, los roles secundarios están convincentemente personificados incluyendo a la veterana y siempre gran actriz Meryl Streep como la mujer de un ministro metodista, James Spader, Tim Blake Nelson y John Lithgow, entre otros.

Lee Jones es uno de los contados directores capaz de reproducir en un western las hazañas de gente indómita y perseverante con particular sensibilidad lírica sin apelar a sofisticados preciosismos. Entre los factores técnicos de producción es necesario destacar la magnífica dirección de fotografía del remarcable artista mexicano  Rodrigo Prieto obteniendo un relato bellamente filmado, así como también la valiosa contribución musical del compositor Marco Beltrami.

Conclusión: Un remarcable relato del viejo oeste estadounidense que confirma a Tommy Lee Jones como uno de los realizadores americanos más importantes.

Eddie Redmayne y Felicity Jones en THE THEORY OF EVERYTHING

THE THEORY OF EVERYTHING. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2014. Un film de James Marsh

Este dramático film constituye una excelente crónica de la vida del gran físico británico Stephen Hawking abarcando su matrimonio con una excepcional mujer, sus investigaciones vinculadas con el estudio del  universo y su cruel enfermedad que lo ha convertido a temprana edad en un ser  completamente mutilado. Gracias a la excelente dirección de James Marsh quien se vale del guión de Anthony McCarten que está basado en el relato autobiográfico de Jane Hawking Travellling to Infinity: My Life With Stephen, la historia guarda perfecta cohesión y constituye  una lección única de vida al demostrar cómo contra viento y marea un hombre en condiciones infrahumanas puede superar obstáculos insalvables para convertirse en una excepcional personalidad científica.

El joven Hawking (Eddie Redmayne) es en 1963 un brillante estudiante de postgrado en la renombrada universidad de Cambridge donde sus teorías sobre cosmología, a fin de  encontrar una explicación sobre el universo mediante elucubradas ecuaciones matemáticas, llegan a asombrar a sus compañeros así como a sus profesores. Es durante esa época que llega a conocer a Jane Wilde (Felicity Jones) y los dos se enamoran perdidamente; sin embargo, esa felicidad no será duradera cuando como consecuencia de una caída, Stephen es diagnosticado con la Esclerosis Lateral Amiotrófica (el mal de Lou Gehrig), una enfermedad neurodegenerativa que afecta a la actividad muscular voluntaria sin dañar el cerebro. Se le vaticina un pronóstico de vida de no más de dos años informándole que durante ese período experimentará un sucesivo empeoramiento del mal que lo aqueja.  A pesar de todo, en 1965 se casa con Jane y de esa unión nacerán 3 hijos.

La crónica de la vida matrimonial durante un lapso de 25 años está muy bien narrada aunque sin entrar en detalle alguno sobre la intimidad sexual de la pareja; lo que sí se destaca es la dedicación total de Jane hacia su marido estimulándolo  a concluir su carrera lo que lo conduce a obtener su PHD con un trabajo que involucra su teoría inicial sobre la creación del universo; además es ella la que no solo cuidará de su cónyuge sino quien llevará adelante el hogar y la educación de sus hijos. Entre tanto, el empeoramiento físico de Stephen  implica tener que movilizarse con una silla de ruedas y gradualmente se hará más dificultoso entender lo que dice; nada de ello impide continuar con sus investigaciones, efectuar disertaciones y recibir merecidos homenajes por su contribución científica. El paso del tiempo implica haber logrado vencer a la muerte aunque no a la enfermedad, sobre todo cuando en 1985 es afectado por una grave pulmonía y Jane es la encargada de tomar una dificilísima decisión sobre si desconectar a Stephen del aparato que lo mantiene vivo o someterlo a una traqueotomía que le quitará por completo el habla; optando por este segundo camino, ella permite que su marido pueda seguir viviendo, valerse de un sintetizador vocal para poder comunicarse y seguir aportando la riqueza de sus investigaciones.

Las dificultades tanto de quien convive con esa terrible enfermedad como de  quien debe cuidarlo podría dar lugar a un film deprimente y lacrimógeno. Afortunadamente, nada de eso ocurre porque el relato está expuesto con sobriedad, conteniendo momentos de humor que atenúan  su drama.

Redmayne ofrece una interpretación de gran envergadura donde además del   estruendoso esfuerzo físico que requiere su papel, -algo comparable con lo que Daniel Day Lewis ofreciera en My Left Foot (1989) y Mathieu Amaric en Le Scaphandre et le papillon (2007)-, el actor se adentra por completo en la psicología  de un hombre que lucha incesantemente para no quedar atrapado en la enfermedad que lo consume. Aunque de diferente naturaleza, también emociona la composición que Jones realiza como la mujer plena de fortaleza y grandeza que se brinda con devoción hacia su marido, a pesar de que el matrimonio se disolvió en 1991.

Como hecho paradojal y asombroso de la naturaleza, el hombre que a los 21 años quedó sentenciado a morir, vive aún con sus 72 años de edad, teniendo en su haber la publicación de varios libros, entre ellos A Brief History of Time (Breve Historia del Tiempo) publicado en 1988 con 10 millones de copias vendidas a nivel mundial donde se refiere a la naturaleza del tiempo y sobre si el universo es infinito o tiene límites.

Conclusión: Un drama aleccionador y estimulante que citando las palabras de Hawking se puede afirmar que “a pesar de lo malo que la vida pueda parecer, cuando hay vida existe esperanza”. Esa es la lección que deja este notable film.

Niels Arestrup y André Dussollier en DIPLOMATIE

DIPLOMATIE. Francia-Alemania, 2014. Un film de Volker Schlondorff

En base a la exitosa obra de teatro Diplomatie del dramaturgo francés Cyril Gely, el realizador Volker Schlondorff la traslada a la pantalla con los mismos actores que en 2011 la representaron en el escenario del teatro Madeleine de París, habiendo recibido elogiosos comentarios críticos; de allí que no llega a sorprender que tanto Niels Arestrup como André Dussollier, ampliamente familiarizados con sus respectivos roles,  ofrezcan dos interpretaciones magistrales reproduciendo el drama de los últimos días de ocupación del régimen nazi en Francia.

No es la primera vez que este tema es tratado en el cine dado que en 1966 René Clément lo había considerado en ¿Arde París? (Paris brûle-t-il?); en todo caso, esta versión es más intimista involucrando al espectador en una sustanciosa conversación que tiene lugar entre sus dos personajes principales.

La acción se desarrolla en 1944 en París cuando resulta inminente la llegada del ejército aliado para retomar el control de la ciudad en manos de los alemanes. Durante  la noche del 24 al 25 de agosto en su despacho del lujoso Hotel Meurice de la rue Rivoli se encuentra en su despacho el general nazi Dietrich von Choltitz (Arestrup), quien como comandante de las fuerzas de ocupación de Alemania se halla atareado en ultimar los preparativos para la destrucción de la capital de Francia, según las estrictas órdenes recibidas de Hitler; la operación consistiría en la eliminación de los principales puentes que sobre el río Sena unen las márgenes izquierda y derecha de la misma, así como la explosión de los maravillosos monumentos que simbolizan su excepcional cultura arquitectónica (Opera, Tour Eiffel, Louvre, Notre Dame, Place de la Concorde, entre otros). Ese acto significaba para el  Führer genocida ejercer su venganza contra las fuerzas enemigas que dejaron en ruinas a la ciudad de Berlín.

La inesperada visita que realiza el cónsul de Suecia Raoul Nordling (Dussollier) a von Choltitz durante esas horas decisivas constituye la médula del relato. Aunque esa reunión en realidad nunca tuvo lugar, lo cierto es que ambos individuos se habían conocido previamente cuando Nordling negoció con el alemán el intercambio de prisioneros políticos alemanes y franceses.

La pieza teatral así como el film, refleja el duelo verbal que se produce entre Nordling y von Choltitz; el primero apela a sus dotes de consumado diplomático para  disuadir a su interlocutor de cometer una violenta agresión criminal que además de ser absolutamente gratuita y sin sentido  implicará la muerte de millones de vidas inocentes. El general arguye que como comandante y buen soldado perteneciente a una tercera generación familiar de militares   está para cumplir las órdenes sin contradecirlas.

¿Cómo puede superarse esta gran dicotomía existente entre la fuerza de la razón y la del estricto cumplimiento de obediencia sin ofrecer resistencia?Precisamente, uno de los méritos de este film reside en la importancia que adquiere la riqueza de los diálogos que durante poco más de una hora no cesan de concitar la atención cada vez más creciente de la audiencia. Si bien el comandante sabe que tiene la sartén por el mango en la relación mantenida con el diplomático, lentamente llega a comprender que lo que está por cometer tendrá al final de la guerra connotaciones extremadamente negativas tanto para él como para su familia. Por su parte, no es menor la tarea que Nordling trata de realizar cuando llegado a un momento clave de la conversación él no sabe cómo responder a von Choltitz cuando le pregunta qué haría si estuviera en su lugar.

Además del cautivante diálogo, el film se destaca por la excepcional actuación de Dusollier y Arestrup desplegando un duelo de titanes. El primero es impagable como la persona provista de una excepcional humanidad y encanto, que habiendo vivido en París, una ciudad que ama intensamente,  trata de modificar la decisión del general a través de una persuasión increíble que le permita abrir su corazón humano a la vez que su rostro denota la comprensión del dilema en que se encuentra su interlocutor. Por su parte, la personificación que realiza Arestrup es de antología; a pesar de que su papel impide la creación de simpatía alguna, no menos cierto es que su actuación es magistral, sobre todo en los momentos finales cuando comienza a traslucir el tremendo peso emocional que conlleva tener que suspender una orden y las consecuencias a las cuales deberá atenerse.

Schlondorff como realizador deja campo libre al lucimiento de sus actores pero al propio tiempo consigue disimular  la estructura teatral de la pieza -prácticamente confinada en una sola habitación con excepción de pocos exteriores- para que en ningún momento el desarrollo de las conversaciones se tornen monótonas. En suma, el consumado realizador ha sabido muy bien adaptar la obra de Gely (conjuntamente con el autor) para ofrecer un film de permanente interés.