HABLEMOS DE CINE

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Una escena de OUR LITTLE SISTER

Por Jorge Gutman

En su exploración del mundo femenino el realizador japonés Hirokazu Kore-eda vuelve a demostrar su gran humanidad en Our Little Sister. Aunque no tenga el impacto de algunos otros filmes que integran su rica filmografía -como por ejemplo, Nobody Knows (2004), Still Walking (2008) o Like Father, Like Son (2013)- el público presencia una comedia dramática cuidadosamente realizada.

Basándose en la novela gráfica “Umimachi Diary” de Yoshida Akimi, el guión de Kore-eda ubica la acción en Kamakura, una pequeña ciudad al borde del mar ubicada al sur de Tokio donde viven tres hermanas en una tradicional casa japonesa. Ellas son Sachi (Ayase Haruka) de 29 años, Yoshino (Masami Nagasawa) de 22, y Chica (Kaho) de 19, quienes han sido prácticamente dejadas de lado por sus padres desde que ellos se divorciaron. Cuando reciben la noticia de la muerte del padre a quienes no lo han tratado ni visto en los últimos 15 años, ellas asisten a su funeral; allí se encuentran por primera vez con Suzu (Suzu Hirose), una tímida adolescente de 14 años que es hija del difunto como resultado de su segundo matrimonio. En la medida que la joven ya no tiene padre y su madre murió tiempo atrás, al no poder convivir con su madrastra, acepta el gentil ofrecimiento de las hermanas para que conviva con ellas.

De allí en más, el film describe la dinámica familiar que se produce con la nueva integrante. Sin entrar en una profunda descripción caracterológica, el relato permite destacar cómo Suzu se adapta a su nuevo medio ambiente donde gracias a la acción de sus tres hermanastras consigue crear lazos de comunicación efectiva. Además, ella logra hacerse de amigos en el colegio al que asiste y también encuentra la oportunidad de volcar sus habilidades deportivas integrándose al equipo juvenil de fútbol. Si bien el relato ofrece atención especial a Suzu no menos importante es la que dedica a Sachi, quien como hermana mayor le cupo actuar como madre de sus propias hermanas reemplazando la ausencia de la verdadera.

La historia de estas cuatro hermanas transcurre en forma apacible y el realizador sabe nutrirla con gran afecto a través de bien logradas situaciones episódicas que se van sucediendo a medida que transcurren las estaciones del año. En tal sentido, y gracias a la esmerada fotografía de Takimoto Mikiya captando los encantadores paisajes de Kamakura en sus diferentes épocas, la misma juega un rol importante en la evolución y transformación de los habitantes del lugar como así también asociándose con la belleza de las cuatro hermanas y la luminosidad que irradian.

El film podrá ser objetado por la falta de situaciones de dramática envergadura, con excepción del momento en que reaparece la madre de las tres hermanas. Sin embargo, más allá de la ausencia de verdaderos conflictos, Kore-eda realza los valores de la familia demostrando cómo las protagonistas de esta historia han podido sobrevivir y valerse por sí mismas frente a la ausencia de sus progenitores. En esencia, este sobrio y tierno film se contempla con simpatía y sin duda gratifica el estado anímico del espectador aunque más no fuera por las interpretaciones de las actrices que atraen por su espontánea gracia y genuina naturalidad.

Jake Paltrow, Brian De Palma y Noah Baumbach en DE PALMA

DE PALMA. Estados Unidos, 2015. Un film de Noah Baumbach y Jake Paltrow

Este muy buen documental sobre Brian De Palma permite que el espectador conozca mejor su personalidad teniendo en cuenta que no ha sido valorado en la medida que corresponde a pesar de su importante contribución cinematográfica. A través del reportaje efectuado por Noah Baumbach y Jake Paltrow se pasa revista a la mayoría de los filmes realizados durante más de medio siglo, escuchando de primera fuente lo que el cineasta manifiesta al respecto. En la forma cómo el film está estructurado nunca se contempla a los entrevistadores formulando sus preguntas, de allí que todo parecería asumir que el entrevistado efectúa sus comentarios por sí mismo monologando con la audiencia de manera fluida y sin interrupción.

A partir de los primeros minutos se observa a De Palma quien adoptando un tono afable, cálido y dueño de un espontáneo humor, ofrece una imagen totalmente diferente de los preconceptos que se pudiera tener sobre un cineasta propenso a los temas de horror y sanguíneos tal como surgen de varios títulos de su filmografía. La primera imagen es un clip de Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock a quien el director venera y confiesa haber sido influenciado en su vocación de realizador; eso queda reflejado años después en Obsession (1979) como también en Blow Out (1981), dos relatos inspirados por el inmortal mago del suspenso.

Después de pasar breve revista a su entorno familiar con un padre que prácticamente estuvo distanciado de él, comienza a reseñar sus primeros pasos como cineasta descubriendo a un joven de talento prometedor llamado Robert De Niro, así como también el contacto mantenido con colegas de esa época como Steven Spielberg, Martin Scorcese, Francis Ford Coppola y George Lucas. A medida que se presentan los clips de sus películas van surgiendo   numerosas anécdotas que De Palma relata animadamente al público; así, entre algunos de los episodios, a veces graciosos y otros no tanto, hace referencia a nombres populares, incluyendo entre otros a Sean Penn, Al Pacino, Clifft Robertson, Sidney Lumet, Tom Cruise y Oliver Stone.

El documental recuerda al espectador que De Palma, además de los filmes antes mencionados, también ha sido el autor de otros remarcables títulos como lo fueron Phantom of the Paradise (1974) Carrie (1976), Dressed to Kill (1980), Scarface (1983), The Untouchables (1987), Carlito’s Way (1993) y Mission: Impossible (1996). Lo anterior no impide que el director comente abiertamente sobre dos de sus grandes fracasos como lo han sido The Bonfire of Vanities (1990) -que él atribuye como error el haber incluido equivocadamente a Tom Hanks en el elenco- y la aventura espacial de ciencia ficción Mission to Mars (2000).

Igualmente, el film atrae la atención cuando De Palma se refiere a su inclinación por las largas tomas, su batallar con gente de la industria, y en general sus diferencias con el establishment hollywoodense que está fundamentalmente preocupado en hacer dinero, uno de los elementos que lo motivó a retirarse del sistema y trasladarse a Europa para proseguir su carrera.

Indudablemente cautivante, el documental refleja las preocupaciones artísticas y creativas del director que al final del mismo sostiene que un cineasta puede alcanzar su máxima productividad hasta cierta edad, donde más allá de la misma no es posible ser demasiado creativo; ciertamente esta opinión contrasta con las grandes obras legadas por Ingmar Bergman o John Houston, por ejemplo, en los últimos años de su existencia.

El film es altamente entretenido y didáctico además de constituir una lección magistral para noveles cineastas. Si hay alguna objeción que hacer es que el documental no deja muy aclarado la razón por la que De Palma enfatizó en varios de sus violentos filmes el discutido tratamiento otorgado a los personajes femeninos exponiendo la explotación sexual de la mujer.

Globalmente considerado, Baumbach y Paltrow han obtenido un documental que además de valioso constituye un homenaje a un realizador que no llegó a ser lo suficientemente valorado como debió haber sido.

Yo-Yo Ma en THE MUSIC OF STRANGERS

THE MUSIC OF STRANGERS: Yo-Yo Ma And The Silk Road Ensemble. Estados Unidos, 2015. Un film de Morgan Neville.

El remarcable artista Yo-Yo Ma, considerado por la mayoría de musicólogos como el más importante violonchelista de música clásica, es enfocado por el realizador Morgan Neville en The Music of Strangers, Se trata de un valioso documental referido a la música y a su gran poder de armonizar y unificar a diferentes culturas del mundo.

El documental no tiene como propósito realizar una biografía de Ma; solamente hay algunas breves referencias a su infancia donde se sabe que a los 4 años comenzó sus estudios de música y a través de un material de archivo se contempla su presentación en un programa televisivo de Estados Unidos para actuar como solista en un concierto dirigido por el gran compositor y director Leonard Bernstein. El corazón del film radica en la tarea emprendida por el violonchelista de haber reunido en 2000 a valiosos músicos provenientes de diferentes lugares del planeta que originó la creación de la agrupación musical Silk Road Ensemble. En el conjunto participan el clarinetista sirio Kinan Azmeh, Wu Man que es considerado el maestro de la pipa china – un instrumento de cuerda pulsada tradicional de China-, el iraní Kayhan Kalhor que toca el kamanché -un instrumento de cuerda frotada originario de Persia y utilizado en la música tradicional clásica de Irán- y la gaitera y pianista española Cristina Pato que tocando la gaita es considerada como la Jimi Hendrix de Galicia.

Con la humildad que lo caracteriza Ma además de liderar al grupo permite que cada uno de sus integrantes demuestre sus habilidades y que en conjunto el público tenga acceso a una animada fiesta musical a través de la música tanto clásica como folclórica desplegada por los músicos.

Si la música es el telón de fondo de esta película, lo más valioso del documental reside en las historias personales que surgen de los músicos. Sin duda, la más conmovedora es la de Kalhor; este músico exiliado de Irán en 1979 con el advenimiento de la revolución, transmite el gran sentimiento que guarda hacia su tierra natal y el deseo de retornar a la misma para allí vivir; cuando creyó haber logrado su sueño, en 2009 los acontecimientos políticos lo obligan a dejar Irán nuevamente y el año pasado las autoridades le han impedido efectuar un concierto. En otro aspecto, también resulta contagioso el brío y entusiasmo volcado por Pato quien con su gaita transmite al mundo la tradición de la música gallega al propio tiempo cuidando de mantener la identidad cultural que la une a Galicia.

Neville quien como documentalista obtuvo en 2014 un Oscar por Twenty Feet from Stardom vuelve a demostrar cuán meticuloso es en ofrecer una historia inspiradora, didáctica y educacional; al hacerlo demuestra cómo el Silk Road Ensemble gracias al liderazgo de Ma ha logrado unificar con el lenguaje de la música culturas y tradiciones diferentes respetando sus respectivas identidades.

El documental indica en sus créditos iniciales que Silk Road ha grabado 6 álbumes y que ha actuado hasta el presente para casi 2 millones de personas en 33 países; no resulta extraño dada la gran calidad de sus integrantes y la hermosa música ofrecida.

Para concluir, basta agregar que no se requiere ser melómano para poder disfrutar de este hermoso documental.