IT WAS JUST AN ACCIDENT. Irán-Francia-Luxemburgo, 2025. Un film escrito y dirigido por Jafar Panahi. 105 minutos

IT WAS JUST AN ACCIDENT. Irán-Francia-Luxemburgo, 2025. Un film escrito y dirigido por Jafar Panahi. 105 minutos

Vahid Mobasseri en IT WAS JUST AN ACCIDENT

Por Jorge Gutman

IT WAS JUST AN ACCIDENT. Irán-Francia-Luxemburgo, 2025. Un film escrito y dirigido por Jafar Panahi. 105 minutos

Una vez más el excelente director iraní llega a conmovernos con una película magistral. A través de su filmografía que ha recibido distinciones en los más importantes festivales de cine, se agrega It Was Just An Accident, que este año fue aclamada en Cannes recibiendo merecidamente la Palma de Oro.

A través de más de una década de forzada reclusión en su país, eso no inhibió al realizador a tomar clara conciencia de lo que sus compatriotas han experimentado a través de las críticas realizadas al régimen autocrático que gobierna al país. Es así que este film, que uno podría asociar a la película de Román Polanski Death and the Maiden (1994) basada en la obra teatral de Ariel Dorfman, está inspirado exclusivamente en historias relatadas por compañeros y conocidos del realizador.

Su trama comienza cuando Eghbal (Ebrahim Azizi) manejando su auto en una carretera iraní con su mujer embarazada (Afssaneh Najmabadi) y la pequeña hijita (Delmaz Najafi), atropella a un perro que se cruza en el camino produciendo su muerte; ese simple accidente motiva a generar una secuela porque a poco que el coche vuelve a arrancar se para por un desperfecto del motor. Circunstancialmente, Vahid (Vahid Mobasseri), un transeúnte que trabaja en un taller mecánico próximo al lugar sale para auxiliarlo y al poco rato siente un gran estupor cuando Eghabal marchando con su pierna ortopédica le hace presumir que él ha sido quien en el pasado llegó a torturarlo al haber sido detenido por críticas realizadas al gobierno. Es así que al día siguiente del acontecimiento, siguiendo con su camioneta la pista de quien cree que ha sido su atormentador, a pesar que en el momento del castigo estuvo encapuchado, desea vengarse; después de golpearlo y secuestrarlo decide enterrarlo vive pero cuando Eghbal perjura que Vahid lo ha confundido con otra persona, queda en él la gran duda.

De allí en más el relato, manteniendo al raptado maniatado y drogado en la baulera del vehículo, Valid decide tomar contacto con varios personajes que han sido objeto de duros castigos. Mediante la información que le suministra Salar (George Hashemzadeh), un librero amigo, llega a contactar a la fotógrafa Shiva (Mariam Afshari) que había estado en prisión, a Goli (Hadis Pakbaten), una novia próxima a casarse junto con su prometido Ali (Majid Panahi) y a Hamid (Mohamad Ali Elyasmehr); todos ellos han experimentado las atrocidades cometidas de quien se supone que ha sido Eghbal, si bien han tenido vendado los ojos y solamente es la pierna ortopédica lo que les hace presumir que ha sido él que en aquel entonces era identificado como “Peg Leg”. ¿Cuál es el camino que el grupo deberá adoptar? ¿Matarlo, sacrificando los ideales al aplicar la ley del talión, o dejarlo en libertad teniendo en cuenta que tiene una familia y una criatura recién nacida? 

Con inusitada maestría Panahi maneja esta historia donde no solamente plantea el conflicto moral producido cuando la venganza es realizada por cuenta propia, sino que una vez más queda magníficamente reflejado que no solamente las víctimas son las que han resultado afectadas sino incluso los victimarios cumpliendo denigrantes tareas impartidas por el nefasto régimen. Eso implica que es la justicia que debe decidir la suerte de los torturados. ¿Pero será posible suponer que existe justicia en Irán? De alguna manera es lo que el gran director deja entrever así como los efectos traumáticos del pasado no son fáciles de cicatrizar tal como lo testimonia la magnífica escena final. 

Brindando una voz a los que han sufrido horrores en Irán, el gran maestro del cine efectúa una contundente denuncia a las autoridades marcadamente autoritarias de su país, a través de un film sutilmente realizado y agraciado por su inmejorable elenco. Sin duda alguna, ésta es una de las grandes películas de 2025. 

BLUE MOON. Estados Unidos-Irlanda, 2025. Un film de Richard Linklater. 100 minutos

Ethan Hawke en BLUE MOON

Un notable film melancólico es lo que brinda  el versátil realizador Richard Linklater al efectuar un estudio caracterológico de Lorenz Hart quien  durante 27 años en las décadas del 20 y 30 del siglo pasado fue el letrista de las canciones del compositor Richard Rodgers, juntamente concibieron 26 comedias musicales que deleitaron a la audiencia.

El realizador se vale del certero guión de Robert Kaplow para reseñar qué es lo que acontece con Hart (Ethan Hawke) la noche del 31 de marzo de 1943 con motivo del estreno en Broadway del célebre musical Oklahoma! que constituyó el primer gran triunfo logrado por el binomio Rodger y Hammerstein II.

A posteriori del breve comienzo en que el público asistente aplaude vivamente al finalizar la representación del musical, uno de los asistentes es Hart quien después de la función se dirige al neoyorkino restaurant Sardi, donde suelen acudir los artistas del elenco después del estreno de una obra de Broadway. Es en ese local donde mediante copa tras copa de bebida alcohólica  Hart entabla conversaciones con el barman Eddie (Bobby Cannavale) así como con un soldado (John Moran) que como pianista ejecuta algunas melodías del repertorio de Hart. De manera elocuente y casi monologando Hart manifiesta no estar entusiasmado por el espectáculo al que considera demasiado popular e imbuido de un forzado patriotismo. Asimismo hace alusión a Elizabeth (Margaret Qualley) una vivaz estudiante de Yale de la cual él evidentemente se encuentra atraído. Pero en el fondo, este hombre deja entrever un profundo sentimiento de pena por  haber sido desplazado como letrista de Rodgers debido a su grave adicción alcohólica.

El interés del relato se intensifica cuando el elenco arriba a Sardi donde Rodgers (Andrew Scott) y su novel letrista Hammerstein II (Simon Delaney) son objeto de cálidos elogios por los invitados ante la patética mirada de Hart; es allí que el relegado letrista aborda a Rodgers en donde   prácticamente  implorando le solicita seguir participando en nuevos proyectos, a los que su interlocutor le responde que podría existir la posibilidad de revivir con ciertas modificaciones algún exitoso espectáculo del pasado. Ya un poco más calmado, Hart experimenta un enorme placer con la llegada de su idealizada Elizabeth.

Linklater ha logrado vencer el gran desafío de haber desarrollado esta agridulce historia en tiempo real que acontece en un solo escenario, como podría tratarse de una obra teatral. Aunque se trata de una ficción acerca de un verdadero acontecimiento, la película destila máxima autenticidad agraciada por la estupenda caracterización de Hawke, es asombroso observar su personificación de un atribulado individuo imbuido de altibajos emocionales que trata desesperadamente de retornar a las glorias del pasado, aunque su desafortunada adicción al alcohol que no puede superar constituye el serio obstáculo para poder lograrlo. 

Capturando la nostalgia que destila el entrañable relato es sumamente agradable escuchar como música de fondo algunos temas de Hart incluyendo entre otro a Manhattan, The Lady is a Tramp, Where or When y obviamente Blue Moon que intitula al film.

En los créditos finales se lee que Lorenz en realidad contribuyó con 5 nuevas canciones para la reposición del espectáculo musical de 1927 “A Connecticut Yankee” antes de haber sido paralizado por su embriaguez en un día de lluvia acontecido  en la Octava Avenida de Manhattan, donde murió cuatro días después en noviembre de 1943 a los 48 años de edad. 

THE MASTERMIND. Estados Unidos, 2025. Un film escrito y dirigido por Kelly Reichardt. 110 minutos

Josh O’Connor en THE MASTERMIND

A través de su destacada filmografía, Kelly Reichardt  ha demostrado su innegable talento de realizadora y guionista y es así que tras su notable penúltimo film Showing Up (2022) vuelve a ratificarlo en The Mastermind. Se trata de una melancólica comedia dramática que tiene las características de haber sido filmada en los años 70, donde realmente se desarrolla, imbuida de una frescura actual que llega a ser notablemente gratificante.

Su acción transcurre en la época citada en Massachusetts donde vive el desempleado carpintero JB (Josh O’Connor), junto con su esposa Terry (Alana Haim) y sus dos hijos menores (Sterling y Jasper Thompson). Al comienzo del relato se lo ve a JB quien junto con su familia visita el museo de arte de Framingham observando atentamente algunas pinturas abstractas del renombrado pintor americano  Arthur Dove; prontamente se sabe que a ocultas de su mujer él se propone realizar un atraco de cuatro de esos cuadros con la ayuda de sus compinches Guy (Eli Gelb) y Larry (Cole Doman), así como Ronnie (Javion Allen) como el conductor de un auto robado.

La primera parte del relato se nutre de los preparativos para perpetrar el robo, que es facilitado dado  que en el piso donde están las mencionadas obras, los guardias de seguridad  no prestan la atención debida para observar las maniobras de los ladrones. Si bien el delito se acomete, las consecuencias del mismo distan de resultar según lo planeado.

Prontamente al descubrirse el robo de los cuadros la autoridad policial sospecha de JB; sin embargo, alegando no saber nada del asunto y teniendo en cuenta que él es el hijo de un muy respetable juez local (Bill Camp), logra salir airoso del problema. Con todo, cuando hay claras evidencias que él ha sido la mente maestra del robo, JB comienza a huir de su hogar, lo que  repercute negativamente en su vida familiar. De allí en más se asiste al vía crucis de una fuga en el que JB trata de ocultarse en principio donde su madre (Hope Davis), posteriormente en el hogar de dos buenos amigos (John Magaro y Gaby Hoffman), para proseguir su desenfrenado escape a fin de  evitar de ser capturado y condenado.

            Con una impecable narración, Reichardt ilustra las vicisitudes del protagonista con los problemas que atraviesa el país americano, en lo concerniente con los conflictos políticos emergentes y en especial a la guerra de Vietnam; en tal sentido, la realizadora contó con la remarcable colaboración de la fotografía de Christopher Blauvelt captando las imágenes de los lugares en que transcurre la acción, el magnífico diseño de producción de Anthony Gasparro en la evocación de esa época así como con la atractiva banda sonora de la música de percusión de Rob Mazurek  que se asocia armoniosamente durante las escenas del atraco.

A los factores mencionados, el film se enriquece con su magnífico elenco encabezado por O’Connor, quien maravillosamente compone el modus vivendi de un típico perdedor y novato ladronzuelo quien con sus silencios transmite su frustración de haber querido brindar a su familia  un bienestar económico con el robo de cuadros, aunque obviamente sin lograrlo. 

A todas luces Reichardt logra un film estupendamente narrado que si bien de apariencia pequeña,  sus positivos valores ciertamente lo engrandecen resultando altamente disfrutable.