NOUVELLE VAGUE. Francia, 2025. Un film de Richard Linklater. 105 minutos

NOUVELLE VAGUE. Francia, 2025. Un film de Richard Linklater. 105 minutos

Una escena de NOUVELLE VAGUE

Por Jorge Gutman

NOUVELLE VAGUE. Francia, 2025. Un film de Richard Linklater. 105 minutos

Habiendo sido aplaudida en el Festival de Cannes de este año y posteriormente en el TIFF, ahora se estrena Nouvelle Vague del talentoso realizador estadounidense Richard Linklater que constituye su primera incursión realizada en idioma francés. Después de notables trabajos registrados en su filmografía, como el recientemente juzgado Blue Moon, esta remarcable película ratifica su gran versatilidad en la recreación del rodaje de À bout de soufflé, la indiscutible obra maestra del mítico cineasta Jean-Luc Godard realizada en 1960.

La prestigiosa revista francesa Cahiers du Cinéma ha sido la cuna donde han emergido renombrados críticos de cine que al poco tiempo irrumpieron en calidad de directores dotados de un espíritu renovador y que por tal motivo fueron considerados los exponentes de la Nouvelle Vague (nueva ola). Es así que apropiadamente Linklater, antes de considerar el foco central del relato, en una soberbia recreación ambiental muestra al renombrado director italiano Roberto Rossellini visitando las oficinas de Cahiers du Cinéma donde realiza una exposición a los críticos allí presentes sobre los fundamentos de la cinematografía.

De inmediato, la acción transcurre algunos años después donde ya habían hecho sus primeras armas los realizadores Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette, entre otros, en tanto que François Truffaut se aprestaba a estrenar en el Festival de Cannes de 1959 su estupenda ópera prima Los 400 Golpes. Es así que tratando de emular a sus colegas de la revista y deseoso de concretar su primer largometraje, Jean-Luc Godard (Guillaume Marbeck) logra convencer al productor Georges de Beauregard (Bruno Dreyfurst) para su financiamiento. El paso siguiente es el de seleccionar a los protagonistas del film y es así que contrata al joven boxeador Jean-Paul Belmondo (Aubry Duillin) y la actriz americana Jean Seberg (Zoey Deutch) para asumir los roles protagónicos, teniendo como colaborador especial al director de fotografía Raoul Coutard (Matthieu Penchinat).

De allí en más se asiste a las diferentes vicisitudes que motiva el proceso de filmación incluyendo lo que acontece detrás de la escena en donde se generan algunos roces y desencuentros motivados por la manera particular que adopta Godard en el rodaje, añadiendo asimismo algunos rasgos excéntricos de su personalidad. Así el equipo de filmación está sujeto a los caprichos del novel cineasta en la medida que el guión del film depende de su inspiración y cuando la misma está ausente, Godard suspende momentáneamente el rodaje y manda a su casa a cada uno de los miembros del equipo; eso produce la ira de Beauregard amenazando cancelar la filmación como asimismo la gran frustración de Seberg que hubiera preferido filmar con Chabrol o Truffaut. Con todo la sangre no llega al río y es así que después de 20 días concluye el rodaje con la consabida alegría de todo el equipo.

El guión de Holly Gent y Vince Palmo es lo suficientemente ilustrativo mostrando la habilidad de Coutard en resaltar el alma de las calles de París como escenario central de À bout de soufflé y eso a su vez se refleja en la estupenda fotografía en blanco y negro que David Chambille logra en Nouvelle Vague captando magníficamente a la capital de Francia de aquella época.

Fresca, lúcida y estimulante son algunos de los adjetivos que merece lo que Linklater sin concesión alguna logró con esta película que contó con un excelente elenco de artistas franceses y un cuerpo técnico de producción de remarcable nivel. Demostrando al igual que Godard su pasión por el cine, el cineasta efectúa un merecido tributo a los pioneros de la Nueva Ola que revolucionaron al cine francés.

BUGONIA. Irlanda-Gran Bretaña-Canadá-Corea del Sur, 2025. Un film de Yorgos Lanthimos. 118 minutos

Emma Stone en Bugonia

El director Yorgos Lanthimos retorna al cine ofreciendo una pieza decididamente absurda con algunos toques satíricos cuyo guión compartido con Will Tracy ha sido inspirado en el film surcoreano Save the Green Planet (2003), a través de la distintiva visión del realizador. 

El relato ambientado en el corazón de una zona rural americana comienza cuando el apasionado apicultor Teddy (Jesse Plemons) junto con su primo Don (Aidan Delbis) contemplan como sus abejas que son vitales para el bienestar saludable de la vibrante comunidad en que viven, van siendo diezmadas por la acción irresponsable de empresas que contaminan el medio ambiente. 

En un completo estado de paranoia e imbuido de teorías conspiracionistas Teddy está convencido que el enemigo se encuentra en Michelle (Emma Stone), la directora de una gran corporación farmacéutica que utiliza deplorables dispositivos químicos; además él cree que ella es una extraterrestre que obedeciendo órdenes provenientes del planeta Andrómeda tiene como propósito la destrucción del planeta Tierra. Es así que para solucionar el grave problema imperante, Teddy persuade a su pasivo primo para raptar a Michelle y hacerle confesar sus intenciones. Después de haber sido secuestrada, la mujer es alojada en el sótano de la vivienda rural de sus raptores donde como primera medida su cabellera es rapada por Don para evitar que se comunique con su planeta y posteriormente en el interrogatorio que se le hace, ella niega en principio ser una alienígena lo que motiva la furia de Teddy. A todo ello, el estrés de este individuo se intensifica debido a que su madre (Alicia Silverstone) se encuentra en estado de coma, al haber sido sometida a ensayos farmacológicos realizados por la empresa de Michelle.

Si bien la premisa inicial de esta historia capta interés, la misma queda desvirtuada a mitad de camino. Sin anticipar lo que sobreviene posteriormente, el relato imbuido de  cierto toque fantástico adquiere un clima de una inusitada y gratuita violencia además de resultar completamente irracional y desprovisto de emoción.

El estilo del misántropo director se hace evidente a través de su buena puesta escénica como el haber convocado a su breve y muy calificado elenco. Piemons trasciende animando al  patético individuo inmerso en teorías conspiratorias, así como igualmente Stone, en su cuarta colaboración con el realizador, se destaca caracterizando a la forzada víctima de esta historia; el desempeño de Delbis es convincente, dada la naturaleza pasiva de su personaje, en tanto que en un rol de apoyo  correctamente participa Stavros Halkias como el policía local. 

Sin ser un film desechable, por la forma en que está expuesto no llega a cautivar aunque de todos modos resulta importante la cautelosa observación de Lanthimos sobre las nefastas consecuencias que pueden acontecer si no se adoptan urgentes medidas de protección ambiental.

FRANKENSTEIN. Estados Unidos, 2025. Un film escrito y dirigido por Guillermo del Toro. Disponible en la plataforma Netflix a partir del 7 de noviembre.

Oscar Isac en FRANKENSTEIN

Desde 1931 en el que el realizador James Whale exitosamente abordara Frankenstein basado en la célebre novela de Mary Shelley, hubo a lo largo del tiempo varias versiones sobre el mítico personaje, siendo esta vez el relevante director mexicano Guillermo del Toro quien lo considera; al hacerlo brinda su visión personal que aunque respetando la trama original de la autora, adopta ciertas licencias permitiendo que su film más que uno de horror, prevalezca su contenido humano. 

En su prólogo el relato enfoca a un buque estancado en las proximidades del Polo Norte que en ese medio cubierto de nieve y heladas del Ártico su tripulación descubre que yace un cuerpo desfalleciente y ensangrentado que pertenece al cirujano Víctor Frankenstein (Oscar Isaac); es así que procede a su rescate a pesar de que una temible Criatura (Jacob Elordi) trata de retenerlo. 

A partir de allí, mediante flashbacks, comienza la primera parte de esta historia en donde Frankenstein narra al capitán del navío su vida pasada. Muy afectado por la  muerte de su madre, él es objeto de la violencia verbal y física ejercida por su  padre (Charles Dance) que es igualmente médico.  Ya adulto, con el apoyo del mecenas Harlander (Christoph Waltz) Victor obsesionado por  crear  vida nueva despedazando cadáveres concibe a la Criatura, un ser masculino de monstruosa apariencia; como apenas puede hablar y suponiendo que es poco inteligente, repite en él la misma violencia que había recibido de su progenitor. Eso se intensifica porque sintiéndose atraído por Elizabeth (Mia Goth), la novia de su hermano menor (Felix Kammerer), Frankenstein siente celos al observar que ella empatiza con la Criatura, lo que lo hace despreciar, castigar y abandonarlo.

La segunda y última parte de la trama está relatada por la Criatura en el que a través de su larga peregrinación demuestra su noble espíritu que se manifiesta en su vínculo con un anciano ciego (David Bradley) que reconoce su alma afable, como asimismo reacciona con furor hacia quienes lo atacan. 

Como lo ha reflejado en sus trabajos más trascendentes, recordando entre ellos a El Laberinto del Fauno (2006), el cineasta pudo vencer el desafío que se impuso al trasladar una historia ampliamente conocida; es así que con su prodigiosa puesta escénica caracterizada por una meticulosa estética ha logrado una remarcable tragedia gótica que contó con el invalorable apoyo de sus dos intérpretes protagónicos. Isaac fabulosamente compone al excéntrico y arrogante Frankenstein que imbuido de voraz aberración, emula a un Dios todo poderoso siendo  capaz de demoler su creación. A su lado, Elordi con su rostro transformado gracias al magnífico maquillaje de Kate Hawley, maravilla en un rol ciertamente difícil, transmitiendo con sus gestos la bondad de un monstruo que en última instancia no lo es. 

Visualmente se aprecia un fabuloso esplendor agraciado por la sublime fotografía de Dan Laustsen así como resalta el impecable diseño de producción de Tamara Deverell lo que indudablemente refuerza los valores del film. 

La visión de este notable drama permite reflexionar acerca de lo que verdaderamente implica el sentimiento humano en el tumultuoso contexto actual donde la violencia imperante en numerosas regiones del mundo, se asemeja a la ejercida por el aberrante Frankenstein. 

Una vez más Netflix demuestra que además de ofrecer producciones de consumo masivo, también genera obras de alta calidad como lo es Frankenstein.